La danza y el movimiento expresivo

Para un artista escénico, el cuerpo es su herramienta de trabajo, equivalente al violín para un músico.

• Conciencia corporal y propiocepción: Es la capacidad de sentir y reconocer la posición de cada parte del cuerpo sin necesidad de verla. La propiocepción permite al bailarín ajustar su postura y equilibrio en tiempo real.
• Alineación y eje central: El cuerpo se organiza en torno a una línea vertical imaginaria que atraviesa el centro de gravedad. Una correcta alineación previene lesiones y permite una mayor eficiencia en el movimiento.
• Tono muscular y relajación activa: El movimiento requiere un equilibrio entre la tensión necesaria para la acción y la relajación para evitar la rigidez. La "relajación activa" es el estado de alerta muscular donde el cuerpo está listo para reaccionar.

El movimiento siempre ocurre en un contexto espacial. Rudolf Laban introdujo conceptos clave para analizarlo:

1. Espacio personal (Kinesfera): Es el espacio que rodea el cuerpo y que podemos alcanzar con nuestras extremidades sin desplazarnos del sitio. Es nuestra "burbuja" de movimiento.
2. Espacio general: El área total donde se desarrolla la acción (el escenario o sala de ensayo).
3. Niveles de movimiento:
   • Alto: Saltos, extensiones hacia arriba, puntas.
   • Medio: Desplazamientos normales, giros a la altura de la cadera.
   • Bajo: Suelo, rodadas, cuclillas.
4. Direcciones y trayectorias: El movimiento puede ser directo (línea recta) o flexible/indirecto (curvas y zig-zag).

El tiempo organiza la duración y la velocidad del movimiento.

• Pulso y acento: El pulso es el latido constante de la música o el movimiento, mientras que el acento es el énfasis especial que se da a un momento concreto.
• Tempo: La velocidad a la que se ejecuta una secuencia (lento, moderado, rápido).
• Silencio y pausa dramática: En danza, la quietud es tan elocuente como el movimiento. Una pausa bien colocada puede generar una tensión emocional máxima en el espectador.

Laban identificó cuatro factores dinámicos que combinan para crear diferentes calidades de energía:

• Peso: Puede ser firme (fuerte, con impacto) o ligero (etéreo, delicado).
• Tiempo: Puede ser súbito (rápido, urgente) o sostenido (lento, prolongado).
• Flujo: Se refiere al control. El flujo libre es difícil de detener, mientras que el flujo conducido o restringido es muy controlado y cauteloso.
• Espacio: Puede ser directo (enfocado) o indirecto (multifocal).

Al combinar estos factores, surgen las 8 acciones básicas de esfuerzo:

1. Golpear: Fuerte, súbito, directo.
2. Presionar: Fuerte, sostenido, directo.
3. Fluir/Lanzar: Fuerte, súbito, indirecto.
4. Torcer: Fuerte, sostenido, indirecto.
5. Teclear/Sacudir: Ligero, súbito, directo.
6. Deslizar: Ligero, sostenido, directo.
7. Flotar: Ligero, sostenido, indirecto.
8. Fluctuar: Ligero, súbito, indirecto.

La elección de una acción de esfuerzo cambia radicalmente la emoción que percibe el público. Un movimiento de "presionar" puede transmitir opresión o resistencia, mientras que "flotar" sugiere calma o irrealidad. La intencionalidad es lo que transforma un ejercicio físico en una expresión artística.

El ballet nació en las cortes italianas y francesas (siglo XVII). Bajo el reinado de Luis XIV, se fundó la primera academia.

• Codificación técnica: Se establecieron las cinco posiciones de pies y brazos.
• Ballet Romántico (s. XIX): Introdujo el uso de las zapatillas de punta para dar la sensación de que la bailarina era un ser etéreo (hadas, sílfides).
• Narrativa: Las obras contaban historias lineales (ej. El Lago de los Cisnes).

A principios del siglo XX, varios pioneros rechazaron la rigidez del ballet:

• Isadora Duncan: Bailaba descalza, con túnicas griegas, buscando la libertad natural inspirada en las olas del mar.
• Martha Graham: Creó una técnica basada en la contracción y liberación (contraction and release), centrada en la respiración y el torso.
• Doris Humphrey: Se centró en la teoría de la caída y recuperación, explorando el desequilibrio y la gravedad.

A partir de los años 60, la danza se volvió experimental.

• Post-modern dance: Introdujo el movimiento cotidiano (caminar, sentarse) como danza.
• Danza-teatro (Tanztheater): Liderado por Pina Bausch, este estilo mezcla danza, texto y situaciones dramáticas cargadas de emoción humana.
• Fusión: Hoy en día, la danza contemporánea se mezcla con el hip-hop, el flamenco o las artes circenses.

Un coreógrafo utiliza diversas estrategias para estructurar su pieza:

• Motivo: Una pequeña célula de movimiento que se puede identificar y que sirve de base para toda la pieza.
• Desarrollo: Cambiar el motivo (hacerlo más grande, más lento, en el suelo).
• Estructuras:
  • Canon: Los bailarines realizan el mismo movimiento pero empezando en tiempos diferentes.
  • Rondó: Una sección A que se repite alternando con otras (A-B-A-C-A).

La improvisación no es "hacer lo que uno quiera", sino explorar bajo pautas específicas.

• Contacto-improvisación: Técnica donde dos o más cuerpos mantienen un punto de contacto físico mientras se mueven, compartiendo el peso.
• Escucha grupal: La capacidad de los intérpretes para reaccionar orgánicamente a los movimientos de sus compañeros sin haberlo ensayado.

La danza no ocurre en el vacío. El vestuario puede limitar el movimiento o ampliarlo (como una falda larga). La escenografía puede convertirse en un obstáculo o en un apoyo. Actualmente, la videodanza permite integrar proyecciones interactivas que reaccionan al movimiento del bailarín en tiempo real.

• Danza pura: Se centra en el movimiento, la estética y la forma, sin contar una historia (abstracción).
• Danza narrativa: Utiliza el movimiento para desarrollar una trama y personajes.
• Musical: Género donde la danza está al servicio de la acción dramática y la canción (ej. West Side Story).

El montaje de una obra de danza sigue varias fases:

1. Concepto: La idea o tema inicial.
2. Creación de material: A través de la improvisación o la propuesta del coreógrafo.
3. Ensayos y limpieza: Repetir para lograr la sincronización y la precisión técnica.
4. Puesta en escena: Integración con luces, sonido y escenografía.

Para analizar una obra, debemos observar:

• Nivel técnico: ¿Cómo es la ejecución de los bailarines?
• Nivel compositivo: ¿Cómo se usa el espacio y el tiempo?
• Nivel comunicativo: ¿Qué emociones o ideas transmite la pieza?
• Contexto: ¿A qué estilo pertenece y en qué época se creó?