Música del siglo XX y vanguardias

El Impresionismo musical, liderado por Claude Debussy, no busca contar una historia dramática, sino sugerir una atmósfera o una "impresión". La música se vuelve etérea y evocadora.

• Escalas pentatónicas y de tonos enteros: Se abandonan las escalas tradicionales por otras que no tienen una dirección clara, eliminando la sensación de tensión y reposo.
• Difuminación melódica: Las melodías no tienen contornos precisos; parecen flotar sin un principio ni un fin claros.
• Instrumentación: Se da una importancia vital al timbre (el "color" del sonido), utilizando el arpa, la flauta y las sordinas en los metales para crear efectos vaporosos.

Frente a la belleza sugerida del Impresionismo, el Expresionismo alemán busca plasmar el mundo interior del ser humano: la angustia, el miedo y la locura.

• Arnold Schönberg: Es la figura central. Su música evoluciona desde un romanticismo tardío hasta la ruptura total con la tonalidad.
• Atonalidad libre: Es la ausencia de un centro tonal. Todas las notas son iguales en importancia, lo que genera una sensación de tensión constante y disonancia.
• Sprechgesang (canto hablado): Una técnica vocal donde el cantante debe seguir el ritmo pero solo sugerir la altura de las notas, creando un efecto inquietante y expresivo.

Para organizar el caos de la atonalidad libre, Schönberg inventó el Dodecafonismo. Este sistema se basa en la Serie, una ordenación de las doce notas de la escala cromática.

1. No se puede repetir ninguna nota hasta que hayan sonado las otras once.
2. La serie puede usarse de forma original, retrógrada (al revés), invertida (espejo) o retrógrada-invertida.
3. Este movimiento formó la Segunda Escuela de Viena, junto a sus discípulos Alban Berg y Anton Webern.

Inspirado por el arte africano y las culturas ancestrales, el Primitivismo utiliza ritmos violentos y obsesivos.

• Igor Stravinsky: Su obra La Consagración de la Primavera (1913) provocó un escándalo histórico en París.
• Polirritmia y disonancia: Uso de varios ritmos diferentes simultáneamente y acordes que chocan entre sí con gran fuerza percusiva. La orquesta se utiliza como un instrumento de percusión gigante.

Tras la Primera Guerra Mundial, muchos compositores sintieron que la vanguardia era demasiado compleja y regresaron a la claridad del Barroco y el Clasicismo, pero con un toque moderno.

• Retorno al orden: Se recuperan formas como la suite, el concierto o la sonata.
• Erik Satie y el Grupo de los Seis: En Francia, defendieron una música sencilla, cotidiana y sin pretensiones, alejándose de la densidad alemana.

A diferencia del siglo XIX, los nacionalistas del siglo XX buscan el folclore real, no idealizado, utilizando grabaciones y estudios científicos.

• Béla Bartók: Considerado el padre de la etnomusicología, recorrió los pueblos de Hungría y Rumanía grabando canciones populares. Aplicó esas estructuras rítmicas complejas a su música académica.
• Manuel de Falla: En España, evolucionó desde el nacionalismo de El amor brujo hacia un "folclore imaginario" más austero y moderno en el Retablo de Maese Pedro.

Llevando el dodecafonismo al extremo, el Serialismo Integral aplica el concepto de "serie" no solo a las notas, sino a todos los parámetros del sonido: duración, intensidad y timbre.

• Pierre Boulez fue uno de sus máximos exponentes, buscando una música de un rigor matemático absoluto donde nada quedara a la improvisación del intérprete.

Como reacción al control total, surge la música basada en la indeterminación.

• John Cage: Su obra más famosa, 4'33'', consiste en un intérprete sentado frente al instrumento sin tocar nada. El objetivo es que el público escuche los sonidos ambientales de la sala. La música es lo que sucede por azar en ese tiempo.

La tecnología cambia la forma de crear música:

• Música Concreta: Pierre Schaeffer utiliza sonidos de la realidad (un tren, una puerta, voces) grabados en cinta y manipulados en el laboratorio.
• Música Electrónica: Sonidos generados puramente por medios electrónicos (sintetizadores y osciladores). El compositor ya no necesita intérpretes; la obra está en la cinta.

• Iannis Xenakis: Utilizó fórmulas matemáticas y probabilidades para gestionar grandes masas sonoras.
• György Ligeti: Creó texturas tan densas (micropolifonía) que el oído no percibe notas individuales, sino una "nube" de sonido que cambia lentamente.

Surge en Estados Unidos como reacción a la complejidad de las vanguardias europeas.

• Características: Repetición de patrones muy sencillos, armonías claras y evolución gradual.
• Autores: Steve Reich (famoso por sus efectos de desfase) y Philip Glass. Es una música hipnótica que ha influido mucho en el cine y la música electrónica actual.

Debido a que los sonidos nuevos no se podían escribir con el pentagrama tradicional, aparecieron las partituras gráficas. Los compositores utilizan dibujos, símbolos, colores y formas geométricas para indicar al músico qué debe hacer, otorgando una gran libertad interpretativa.

• Generación del 27: Compositores como los hermanos Halffter o Joaquín Rodrigo (famoso por el Concierto de Aranjuez) que intentaron unir la modernidad con la tradición española.
• Generación del 51: Autores como Cristóbal Halffter o Luis de Pablo que rompieron definitivamente con el nacionalismo para adoptar el serialismo y las vanguardias internacionales.

Hoy en día, la informática musical permite crear paisajes sonoros complejos. El Arte Sonoro difumina la frontera entre la música y las artes visuales, utilizando instalaciones en museos y espacios públicos donde el entorno es parte de la obra.

A pesar de las dificultades históricas, muchas mujeres han sido fundamentales en la vanguardia:

• Sofiya Gubaidúlina: Rusa, con una música de profunda espiritualidad y uso de instrumentos tradicionales.
• Kaija Saariaho: Finlandesa, pionera en el uso de la informática para analizar el timbre sonoro en tiempo real.
• Su trabajo actual es clave para la visibilización y el equilibrio en la historia de la música contemporánea.