Clasicismo y Romanticismo

El Clasicismo está marcado por la Ilustración, un movimiento intelectual que defendía la razón como la forma de entender el mundo. Esto se traduce en música como una búsqueda de equilibrio, proporción y claridad.

• El ascenso de la burguesía: La música deja de ser exclusiva de la aristocracia y la iglesia. Aparecen los conciertos públicos y la burguesía empieza a estudiar música, lo que genera una demanda de obras más accesibles.
• Racionalismo: La música debe ser "lógica". Se busca que el oyente pueda seguir la melodía sin esfuerzo.
• El fin del bajo continuo: En el Barroco, el clavecín siempre improvisaba una base. En el Clasicismo, los compositores escriben exactamente qué debe tocar cada instrumento, eliminando la improvisación del bajo continuo para tener control total sobre la armonía.

El lenguaje clásico es elegante y transparente. Sus características principales son:

1. Melodía acompañada: A diferencia de la polifonía compleja, aquí destaca una melodía principal clara sobre un acompañamiento de acordes sencillo.
2. Frases musicales simétricas: Se utiliza la estructura de pregunta-respuesta. Si una frase dura 4 compases (antecedente), la siguiente suele durar otros 4 (consecuente), creando una sensación de perfección geométrica.
3. Armonía clara: Se utilizan acordes principales (tónica, dominante y subdominante) que definen muy bien la tonalidad.
4. Dinámica gradual: Aparece el crescendo y el diminuendo. Ya no hay cambios bruscos de volumen como en el Barroco, sino transiciones fluidas que aportan expresividad.

Durante este periodo, la orquesta se estandariza. Ya no es un grupo variable de músicos, sino una formación fija:

• Sección de cuerda: Sigue siendo el núcleo (violines, violas, violonchelos y contrabajos).
• Sección de viento: Se establecen parejas de flautas, oboes, fagotes y la gran novedad: el clarinete, que aporta un color suave y versátil.
• Desaparición del clavecín: Es sustituido definitivamente por el piano (o pianoforte), que permite hacer matices de intensidad.
• Director: Empieza a ser necesaria una figura que coordine a los músicos, inicialmente desde el primer violín o el piano.

Es el esquema compositivo más importante del Clasicismo. No debe confundirse con la "Sonata" como obra completa; la forma sonata suele ser la estructura del primer movimiento. Se divide en tres partes:

1. Exposición: Se presentan dos temas musicales (A y B). El tema A es enérgico; el B es más lírico y en una tonalidad distinta.
2. Desarrollo: El compositor juega con los temas anteriores, los fragmenta y modula (cambia de tono) creando tensión dramática.
3. Reexposición: Vuelven a aparecer los temas A y B, pero ahora ambos en la tonalidad principal, resolviendo la tensión. Suele terminar con una Coda (final).

• Sinfonía: Es una gran sonata escrita para orquesta completa. Suele tener cuatro movimientos.
• Cuarteto de cuerda: Compuesto por dos violines, viola y violonchelo. Es el género de música de cámara por excelencia.
• Sonata: Obra para uno o dos instrumentos (normalmente piano solo, o violín y piano).
• Concierto clásico: Obra para un instrumento solista y orquesta, donde se busca el lucimiento del intérprete.

Viena se convirtió en el centro musical del mundo. Allí destacaron tres genios:

• J. Haydn: Considerado el "padre de la sinfonía" y del cuarteto de cuerda. Estableció las reglas de las formas clásicas.
• W. A. Mozart: El niño prodigio. Dominó todos los géneros, mezclando la elegancia del estilo galante con una profundidad emocional única.
• L. van Beethoven: Su obra marca el límite del Clasicismo. Sus últimas obras ya rompen las reglas y anuncian el Romanticismo.

En el Clasicismo, el músico era un empleado de un noble (como Haydn). En el Romanticismo, el músico se convierte en un genio independiente.

• Subjetivismo: El arte ya no busca la belleza ideal, sino expresar el mundo interior del autor: miedos, pasiones y sueños.
• Mecenazgo burgués: El músico vive de la venta de entradas, de sus partituras y de dar clases, lo que le da libertad creativa absoluta.

• Cromatismo: Se usan notas fuera de la escala principal para crear tensión y sentimientos complejos.
• Libertad formal: Las estructuras como la sonata se vuelven más flexibles para que la música fluya sin restricciones.
• Rubato: El intérprete puede acelerar o frenar ligeramente el tempo para enfatizar la emoción de una frase.
• Contrastes extremos: Se pasa de un pianissimo casi inaudible a un fortissimo atronador.

La orquesta crece en tamaño y potencia. Se añaden instrumentos como el tuba, el flautín, el contrafagot y mucha más percusión. Paralelamente, surge el culto al solista. Figuras como Paganini (violín) y Liszt (piano) se convierten en las primeras "estrellas del rock", asombrando al público con una técnica sobrehumana.

El Lied (canción en alemán) es una composición breve para voz y piano que musicaliza un poema.

• Franz Schubert: Fue el maestro del género, creando ciclos de canciones donde el piano no solo acompaña, sino que describe elementos del poema (el viento, el agua, el latido del corazón).
• Robert Schumann: Aportó una gran carga psicológica y poética a sus obras vocales.

Frente a las largas sonatas, los románticos prefieren piezas cortas y libres para expresar un sentimiento fugaz:

• Nocturnos: Piezas íntimas y melancólicas (destaca Chopin).
• Estudios: Obras para practicar una técnica difícil, pero con valor artístico (Liszt).
• Danzas: Polonesas y Mazurcas que reflejan el alma de un pueblo.

La ópera vive su época dorada:

• Italia: El Bel Canto (Rossini) busca la belleza vocal. Más tarde, Giuseppe Verdi utiliza la ópera como drama humano y político.
• Alemania: Richard Wagner revoluciona el género con la "Obra de arte total", donde música, poesía y teatro son uno solo, eliminando las interrupciones entre arias y recitativos.

Es música instrumental que intenta contar una historia o describir un paisaje siguiendo un guion externo (programa).

• Poema Sinfónico: Obra de un solo movimiento para orquesta que narra una historia (ej. Los Preludios de Liszt).
• Berlioz: En su Sinfonía Fantástica, utiliza la música para narrar sus propias alucinaciones amorosas.

A mediados del XIX, los países que habían estado bajo la influencia musical de Italia o Alemania buscan su propia voz utilizando su folclore.

• Rusia: El "Grupo de los Cinco" (como Rimsky-Kórsakov) utiliza escalas y ritmos tradicionales rusos.
• Norte de Europa: Grieg (Noruega) y Sibelius (Finlandia) retratan sus paisajes y leyendas.

España también participó en este movimiento, redescubriendo su riqueza popular:

• Felipe Pedrell: El gran impulsor que instó a los compositores a mirar hacia el flamenco y el folclore regional.
• Isaac Albéniz y Enrique Granados: Llevaron el piano español a la fama mundial con obras como Iberia o Goyescas, mezclando la técnica romántica con ritmos de danza y giros de la guitarra española.