Les genres théâtraux

Le théâtre est un art du spectacle vivant qui met en scène une histoire devant un public. C'est un genre littéraire unique, car il est destiné à être joué plutôt qu'à être lu silencieusement.

Ses spécificités sont multiples :

• Représentation scénique : Le théâtre prend vie sur une scène, dans un espace physique où des acteurs incarnent des personnages. Cette dimension visuelle et auditive est fondamentale. La relation entre les acteurs et le public est directe et immédiate.
• Dialogue et didascalies : Le texte théâtral est principalement constitué de dialogues, c'est-à-dire des échanges entre les personnages. Les didascalies sont des indications scéniques (souvent en italique) données par l'auteur sur le décor, les costumes, les gestes, les intonations des acteurs, l'éclairage, etc. Elles sont essentielles pour comprendre l'intention de l'auteur et guider la mise en scène.
• Double énonciation : C'est une caractéristique clé du dialogue théâtral. Les paroles des personnages sont adressées à la fois à d'autres personnages sur scène (première énonciation) et au public (seconde énonciation). Le spectateur est ainsi le témoin privilégié de l'action et des pensées des personnages. Cette double énonciation permet de créer une connivence entre la scène et la salle.

Le théâtre occidental trouve ses racines dans l'Antiquité grecque, bien avant notre ère.

• Théâtre grec antique : Il est né au VIe siècle avant J.-C. à Athènes, en Grèce. Les premières manifestations théâtrales étaient liées aux fêtes religieuses en l'honneur de Dionysos, dieu du vin, de la fertilité et de l'extase.
• Rites religieux : Initialement, le théâtre était une forme de rituel. Les chants et les danses en l'honneur des dieux ont progressivement évolué vers des représentations narratives. Les participants se déguisaient, portaient des masques et racontaient des mythes.
• Tragédie et comédie primitives : Rapidement, deux formes principales se sont distinguées :
  • La tragédie (du grec tragôidia, "chant du bouc") mettait en scène des héros confrontés à des forces supérieures, le destin, les dieux, et se terminait souvent par leur mort ou leur souffrance. Eschyle, Sophocle et Euripide sont les grands tragiques grecs.
  • La comédie (du grec kômôidia, "chant du cortège") abordait des sujets plus légers, souvent satiriques, et se terminait généralement bien. Aristophane est le maître de la comédie ancienne. Ces deux genres ont posé les bases de ce que nous connaissons aujourd'hui.

L'histoire du théâtre est un long fleuve qui a traversé et reflété les différentes époques et sociétés.

• Théâtre médiéval : Après la chute de l'Empire romain, le théâtre connaît un déclin avant de renaître lié à la religion chrétienne. On voit apparaître les mystères (pièces religieuses sur la vie du Christ ou des saints), les miracles (sur les miracles de la Vierge) et les moralités (pièces allégoriques). Le théâtre sort des églises pour être joué sur les parvis, puis sur des tréteaux.
• Renaissance et classicisme :
  • La Renaissance (XVIe siècle) marque un retour aux sources antiques. En Italie, la Commedia dell'arte se développe avec ses personnages masqués et son improvisation. En Angleterre, William Shakespeare révolutionne le genre avec ses pièces où se mêlent tragique et comique.
  • Le Classicisme (XVIIe siècle en France) est caractérisé par un souci de la raison, de la vraisemblance et des règles. C'est l'âge d'or de la tragédie (Racine, Corneille) et de la comédie (Molière). La règle des trois unités (temps, lieu, action) devient une norme.
• Théâtre moderne et contemporain :
  • Le théâtre moderne (XIXe-XXe siècles) voit l'émergence du drame romantique (Victor Hugo), qui rejette les règles classiques, et du naturalisme.
  • Le théâtre contemporain (XXe-XXIe siècles) est marqué par une grande diversité de formes et de propos : théâtre de l'absurde (Ionesco, Beckett), théâtre engagé (Brecht), théâtre de la cruauté (Artaud). Il explore de nouvelles écritures et de nouvelles formes de mise en scène.

La tragédie est un genre dramatique sérieux qui met en scène des personnages de haute lignée confrontés à un destin inéluctable.

• Personnages nobles : Les héros tragiques sont souvent des rois, des princes, des figures mythologiques ou historiques. Leur statut social élevé rend leur chute d'autant plus spectaculaire et émouvante. Leur souffrance a une portée universelle.
• Sujets mythologiques ou historiques : Les intrigues sont généralement tirées de l'histoire ancienne (Rome, Grèce) ou de la mythologie. Ces sujets sont connus du public, qui peut ainsi se concentrer sur la manière dont les personnages affrontent leur destin.
• Règle des trois unités : C'est une convention majeure du théâtre classique français, théorisée par Boileau et inspirée d'Aristote :
  • Unité de temps : L'action doit se dérouler en une seule journée (24 heures maximum).
  • Unité de lieu : L'action doit se passer dans un seul et unique endroit (une pièce, une antichambre, etc.).
  • Unité d'action : L'intrigue principale doit être unique, sans épisodes secondaires superflus. Ces règles visaient à renforcer la vraisemblance et la bienséance.

La tragédie explore des questions existentielles profondes et universelles.

• Fatalité et destin : Le thème central est souvent l'impuissance de l'homme face à un destin inéluctable, souvent orchestré par les dieux ou une force supérieure. Les personnages tentent de s'y soustraire, mais en vain.
• Conflits moraux : Les héros sont déchirés entre des devoirs contradictoires : l'amour et l'honneur, la passion et la raison, la fidélité et la trahison. Ces dilemmes les mènent à leur perte.
• Mort et souffrance : La tragédie culmine souvent dans la mort du ou des héros, marquant l'échec de leur lutte contre le destin. La souffrance physique et morale est omniprésente, purifiant les passions du spectateur (la catharsis).

Ces œuvres sont des piliers de la littérature mondiale.

• Sophocle (Œdipe Roi) : Cette tragédie grecque antique raconte l'histoire d'Œdipe qui, sans le savoir, tue son père et épouse sa mère, accomplissant ainsi une prophétie terrible. L'œuvre illustre la puissance implacable du destin.
• Racine (Phèdre) : Tragédie classique française du XVIIe siècle. Phèdre, épouse de Thésée, est prise d'une passion coupable pour son beau-fils Hippolyte. Déchirée par la honte et la culpabilité, elle se suicide. C'est un chef-d'œuvre de l'analyse psychologique et de la fatalité amoureuse.
• Corneille (Le Cid) : Bien que souvent classé comme une tragi-comédie pour sa fin moins sombre, Le Cid présente de nombreux traits tragiques. Rodrigue et Chimène sont déchirés entre leur amour et l'honneur de leurs familles, qui les pousse à la vengeance. C'est l'archétype du héros cornélien, maître de sa volonté face à l'adversité.

À l'opposé de la tragédie, la comédie vise à divertir et à faire rire, tout en offrant une réflexion sur la société.

• Personnages du quotidien : Contrairement aux héros tragiques, les personnages de comédie sont souvent des bourgeois, des valets, des amoureux, des types sociaux reconnaissables par le public. Leurs défauts et leurs travers sont mis en lumière.
• Intrigue légère : Les péripéties sont souvent basées sur des quiproquos, des malentendus, des stratagèmes amoureux ou financiers. La tension est généralement moins forte que dans la tragédie, et le dénouement est heureux.
• Visée didactique ou satirique : Au-delà du simple rire, la comédie a souvent pour but de "corriger les mœurs par le rire" (Molière). Elle dénonce les ridicules, les hypocrisies, les vices de la société ou des individus. Elle est un miroir déformant qui invite à la réflexion.

La comédie est un genre varié, qui se manifeste sous plusieurs formes.

• Comédie de mœurs : Elle dépeint et critique les habitudes, les comportements et les conventions d'une époque ou d'une classe sociale. Elle met en scène les travers collectifs.
  • Exemple : Les Femmes savantes de Molière, qui critique la préciosité et les prétentions intellectuelles féminines de son temps.
• Comédie de caractère : Elle se concentre sur un personnage principal dont le trait de caractère dominant (avarice, hypocrisie, misanthropie) est poussé à l'extrême, créant des situations comiques.
  • Exemple : L'Avare de Molière, avec Harpagon, obsédé par l'argent.
• Comédie d'intrigue : L'accent est mis sur la complexité de l'action, les rebondissements, les quiproquos et les malentendus. Le moteur du rire est la situation elle-même.
  • Exemple : Les Fourberies de Scapin de Molière, où le valet Scapin multiplie les ruses pour aider de jeunes amoureux.
• Comédie-ballet : Genre créé par Molière, mélangeant théâtre, musique et danse.
  • Exemple : Le Bourgeois gentilhomme. Ces catégories ne sont pas toujours étanches et une pièce peut emprunter à plusieurs types.

Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière (XVIIe siècle), est sans conteste le plus grand dramaturge comique français. Son œuvre reste intemporelle.

• Critique des travers humains : Molière excelle à peindre les défauts universels de l'homme : l'hypocrisie (Le Tartuffe), la misanthropie (Le Misanthrope), la maladie imaginaire (Le Malade imaginaire), la pédanterie, la vanité. Ses personnages sont des archétypes.
• Le rire comme arme : Pour Molière, le rire n'est pas une fin en soi, mais un moyen. Il utilise le comique de situation, de mots, de gestes, de caractères pour démasquer les imposteurs et faire réfléchir le public. Son théâtre est profondément moral.
• Exemples (L'Avare, Le Bourgeois gentilhomme) :
  • L'Avare : Comédie de caractère où Harpagon est prêt à tout sacrifier pour son argent, y compris le bonheur de ses enfants.
  • Le Bourgeois gentilhomme : Comédie-ballet qui se moque des prétentions de Monsieur Jourdain à devenir noble et des faux-semblants de la société. L'œuvre de Molière continue de résonner par sa pertinence et son humour.

Le drame est un genre théâtral qui se développe principalement à partir du XVIIIe siècle, et connaît son apogée avec le romantisme au XIXe siècle. Il se veut une synthèse entre la tragédie et la comédie.

• Rejet des règles classiques : Les dramaturges romantiques, comme Victor Hugo, s'opposent farouchement aux règles strictes du théâtre classique (les trois unités, la bienséance, la séparation des genres). Ils revendiquent la liberté artistique.
• Mélange des genres : Le drame romantique ose mélanger le sublime et le grotesque, le tragique et le comique, le beau et le laid. Il veut représenter la vie telle qu'elle est, dans toute sa complexité.
• Victor Hugo (Préface de Cromwell) : En 1827, Victor Hugo publie la Préface de Cromwell, un texte théorique fondamental qui est le véritable manifeste du drame romantique. Il y défend l'idée que le drame doit être un "miroir de concentration" de la vie, embrassant toutes ses facettes. Cette préface est une déclaration d'indépendance du théâtre moderne.

Après le romantisme, le drame continue d'évoluer, cherchant à coller toujours plus à la réalité.

• Représentation de la vie réelle : Le drame moderne s'intéresse aux problèmes de la société contemporaine, aux conflits familiaux, aux dilemmes moraux de l'individu lambda. Il n'hésite pas à montrer la violence, la misère, l'injustice.
• Personnages complexes : Les personnages ne sont plus des archétypes ou des figures héroïques monolithiques. Ils sont nuancés, avec leurs forces et leurs faiblesses, leurs contradictions internes. Leur psychologie est approfondie.
• Thèmes sociaux et psychologiques : Le drame aborde des sujets comme la justice, l'engagement politique, les relations de pouvoir, la folie, l'identité, la quête de sens. Il vise à provoquer la réflexion et l'émotion du spectateur.

Le XXe siècle a vu l'émergence de formes dramatiques très diverses, souvent expérimentales.

• Théâtre de l'absurde : Apparu après la Seconde Guerre mondiale, ce courant met en scène l'absurdité de la condition humaine, l'absence de sens et l'échec de la communication. Les dialogues sont souvent décousus, l'action illogique.
  • Exemples : En attendant Godot de Samuel Beckett, La Cantatrice chauve d'Eugène Ionesco.
• Théâtre engagé : Il utilise la scène comme une tribune pour dénoncer des injustices, plaider des causes politiques ou sociales, et provoquer une prise de conscience du public.
  • Exemples : Bertolt Brecht (Mère Courage et ses enfants), Jean-Paul Sartre (Huis clos).
• Mise en scène innovante : Le drame contemporain explore de nouvelles façons de représenter le monde, en jouant sur la scénographie, les lumières, le son, la projection vidéo. Le metteur en scène devient un véritable co-auteur de l'œuvre. Ces formes interrogent sans cesse les limites et les possibilités du théâtre.

Ces genres sont des formes de comédie légère très populaires, surtout au XIXe siècle.

• Comédie légère : Le vaudeville et le théâtre de boulevard privilégient le rire et le divertissement pur. L'objectif est de faire passer un bon moment au public, sans forcément de visée morale profonde.
• Quiproquos et rebondissements : Les intrigues sont souvent complexes, basées sur une succession de malentendus, de portes qui claquent, de personnages qui se cachent. Les rebondissements sont nombreux et rapides.
  • Exemple : Georges Feydeau est un maître du vaudeville (La Puce à l'oreille).
• Divertissement populaire : Ces pièces sont conçues pour un large public et jouent sur des situations cocasses, des dialogues vifs et des personnages stéréotypés. Ils sont synonymes de légèreté et d'efficacité comique.

Le mélodrame est un genre populaire qui a connu un grand succès aux XVIIIe et XIXe siècles.

• Intrigue sentimentale : L'histoire est souvent centrée sur des amours contrariées, des trahisons, des situations injustes où la vertu est persécutée et le vice triomphe temporairement.
• Émotions fortes : Le mélodrame mise sur l'exagération des sentiments et des situations pour émouvoir le public. Les personnages sont souvent manichéens (très bons ou très méchants).
• Musique d'accompagnement : Le nom "mélodrame" vient du grec melos (chant, musique) et drama (action). La musique joue un rôle important pour souligner les émotions et renforcer l'intensité dramatique. Il vise à arracher les larmes et la compassion du spectateur.

Ces formes sont des spectacles totaux qui combinent plusieurs arts.

• Chant et danse : Le théâtre musical (ou comédie musicale) et l'opéra intègrent le chant, la musique et parfois la danse comme éléments narratifs et expressifs essentiels. Les dialogues sont souvent remplacés par des airs, des duos, des chœurs.
• Spectacle total : Ces genres sont des formes d'art complètes, où l'histoire est racontée à travers le texte, la musique, le chant, la danse, mais aussi la mise en scène, les décors, les costumes et les lumières.
• Fusion des arts : L'opéra, né en Italie à la fin du XVIe siècle, est une œuvre dramatique entièrement chantée et accompagnée par un orchestre. Le théâtre musical, plus récent, mélange souvent des styles musicaux variés (jazz, pop, rock) et une dramaturgie plus moderne. Ces genres offrent une expérience sensorielle et émotionnelle unique.

Analyser une pièce de théâtre demande de considérer des éléments spécifiques au genre.

• Structure de l'intrigue : Il faut identifier les différentes étapes : l'exposition (présentation des personnages et de la situation), le nœud (développement des conflits), les péripéties (rebondissements), le coup de théâtre (événement inattendu), le dénouement (résolution des conflits).
• Personnages et relations : Étudiez les motivations, les caractères des personnages, leurs interactions, les rapports de force entre eux. Leurs dialogues sont une mine d'informations sur leur psychologie.
• Fonction des didascalies : Les didascalies ne sont pas de simples indications techniques ; elles sont partie intégrante du texte. Elles informent sur le jeu des acteurs, l'ambiance, le décor, et peuvent révéler des intentions de l'auteur. Elles sont le lien entre le texte et la scène.

Une pièce de théâtre n'existe pleinement que lorsqu'elle est jouée. La mise en scène est donc cruciale.

• Scénographie et décors : La scénographie est l'art d'organiser l'espace théâtral. Les décors, les accessoires, les lumières créent l'atmosphère, situent l'action et peuvent même exprimer l'état d'esprit des personnages ou les idées du metteur en scène.
• Jeu des acteurs : La manière dont les acteurs incarnent leurs personnages (voix, gestes, expressions, déplacements) donne vie au texte. Le même rôle peut être interprété de multiples façons, changeant complètement la perception de la pièce.
• Interprétation du metteur en scène : Le metteur en scène est celui qui donne une vision globale à la pièce. Il choisit une orientation, une lecture de l'œuvre, et coordonne tous les éléments (décors, costumes, lumières, jeu d'acteur) pour créer un spectacle cohérent. Sa vision peut renouveler ou transformer une œuvre classique.

Le théâtre est un art vivant, dont la réussite dépend aussi de son public.

• Impact émotionnel : La spécificité du théâtre est la présence simultanée des acteurs et des spectateurs. L'émotion est directe, collective. Le rire, les larmes, la tension sont partagés.
• Réflexion et débat : Au-delà de l'émotion, le théâtre invite à la réflexion. Il peut soulever des questions de société, provoquer des débats, remettre en question des idées reçues, et ainsi avoir un rôle social et philosophique.
• Évolution des goûts : La réception d'une pièce évolue avec le temps. Une œuvre qui choquait à son époque peut être acceptée, voire célébrée, plus tard. Les modes, les sensibilités changent, et le public d'aujourd'hui ne réagit pas comme celui d'hier. La critique théâtrale joue un rôle essentiel pour guider et éclairer le public.