Le théâtre du XVIIe au XXIe siècle

Le XVIIe siècle est dominé par la figure de Louis XIV, le Roi-Soleil, dont le règne est marqué par la mise en place d'une monarchie absolue. Le pouvoir royal est centralisé et s'étend à tous les domaines, y compris la culture.

• Monarchie absolue et mécénat royal : Le roi est le centre de l'État et le protecteur des arts. Il utilise le théâtre comme un outil de prestige et de propagande pour asseoir sa grandeur. Des écrivains comme Molière, Racine ou Corneille bénéficient de son soutien et de ses commandes. Le château de Versailles devient un lieu de représentations théâtrales somptueuses.
• Influence de la Contre-Réforme : En réaction à la Réforme protestante, l'Église catholique cherche à réaffirmer sa doctrine et sa puissance. Cela se traduit par une moralisation des mœurs et une surveillance accrue des productions artistiques. Le théâtre doit servir à édifier et instruire le public, en plus de le divertir.
• Naissance de l'Académie française : Fondée en 1635 par le cardinal de Richelieu, l'Académie française a pour mission de fixer la langue française et d'en codifier les règles. Cette volonté d'ordre et de clarté linguistique se reflète dans les œuvres théâtrales de l'époque. Elle contribue à établir les règles du classicisme.

Le classicisme est avant tout un mouvement fondé sur la raison, la mesure et la clarté. Le théâtre classique obéit à des règles strictes, inspirées de l'Antiquité, notamment d'Aristote.

• Règle des trois unités (temps, lieu, action) :
  • Unité de temps : L'action doit se dérouler en une seule journée (idéalement 24 heures). Cela permet de rendre l'intrigue plus concentrée et plus vraisemblable.
  • Unité de lieu : L'action doit se dérouler dans un seul et même endroit. Cela renforce la concentration de l'intrigue et évite la dispersion du spectateur.
  • Unité d'action : L'intrigue principale doit être unique et sans intrigue secondaire qui pourrait la parasiter. Tous les éléments doivent concourir à la résolution du conflit principal. Ces règles visent à renforcer la vraisemblance et la clarté de l'œuvre.
• Vraisemblance et bienséance :
  • Vraisemblance : L'action représentée doit être crédible, c'est-à-dire conforme à ce qui est considéré comme possible ou probable dans la réalité. Même si l'histoire est fictive, elle doit paraître plausible.
  • Bienséance : Les pièces ne doivent pas choquer le public. Cela signifie qu'il faut éviter de représenter sur scène la violence, la mort, les scènes de sexe ou tout ce qui pourrait être jugé vulgaire ou indécent. Ces éléments sont racontés hors scène, par des récits. La bienséance concerne aussi le respect des rangs sociaux et des mœurs de l'époque.
• Fonction morale et didactique : Le théâtre classique ne vise pas seulement à divertir. Il a aussi une vocation éducative. Il doit instruire le public, lui montrer les vertus à suivre et les vices à éviter. La pièce doit laisser une leçon morale. C'est l'idée du "plaire et instruire" (placere et docere).

Le théâtre classique reconnaît deux genres majeurs, chacun avec ses codes et ses objectifs.

• Caractéristiques de la tragédie :
  • Héros : Des personnages de haut rang (rois, princes, nobles) confrontés à des dilemmes moraux ou à des destins funestes.
  • Fatalité : Les personnages sont souvent pris au piège d'une force supérieure (le destin, les dieux, la passion) qui les pousse inéluctablement vers la catastrophe.
  • Catharsis : La tragédie vise à purger les passions du spectateur (terreur et pitié) en lui montrant les conséquences des erreurs humaines. Le spectateur, en s'identifiant aux personnages, éprouve une libération émotionnelle.
  • Thèmes : L'amour impossible, le devoir, l'honneur, la vengeance, la jalousie, la mort.
  • Style : Langue soutenue, versification en alexandrins (vers de 12 syllabes) avec rimes.
  • Auteurs majeurs : Corneille (le choix, le devoir, la volonté) et Racine (la passion, la fatalité, la psychologie).
• Caractéristiques de la comédie :
  • Moeurs et caractères : La comédie dépeint les travers de la société et les défauts des individus (l'avarice, l'hypocrisie, la prétention).
  • Rire : Elle provoque le rire du spectateur, souvent par le quiproquo, la farce, l'exagération ou la caricature.
  • Fonction : Corriger les mœurs par le rire. "Castigat ridendo mores" (Elle corrige les mœurs en riant).
  • Personnages : Souvent des bourgeois, des valets, des femmes de la société.
  • Style : Langue plus proche du langage parlé, alternance de prose et de vers.
  • Auteur majeur : Molière, maître de la comédie de caractère et de mœurs.

Choisissons Phèdre de Jean Racine, pièce emblématique de la tragédie classique.

• Analyse de l'intrigue et des personnages :
  • Intrigue : Phèdre, femme de Thésée, est secrètement amoureuse de son beau-fils, Hippolyte. La fausse nouvelle de la mort de Thésée libère sa passion, mais le retour de Thésée la pousse au désespoir. Oenone, sa nourrice, l'incite à calomnier Hippolyte, qui est finalement maudit par son père et meurt. Phèdre avoue sa faute et se suicide.
  • Personnages :
    • Phèdre : Une femme déchirée par une passion coupable et honteuse, victime d'une fatalité et d'une hérédité maudite. Elle est l'incarnation de la passion destructrice.
    • Hippolyte : Le héros vertueux, épris de pureté, qui rejette l'amour et se retrouve injustement accusé.
    • Thésée : Le roi héroïque mais aveuglé par la colère, qui provoque la mort de son fils.
  • Les personnages raciniens sont souvent victimes de leurs passions, incapables de les maîtriser.
• Thèmes principaux (honneur, devoir, passion) :
  • Passion : C'est le thème central. La passion de Phèdre est une force irrésistible et destructrice qui la mène à sa perte et entraîne la mort d'Hippolyte. Elle est présentée comme une maladie, une folie.
  • Devoir : Hippolyte incarne le devoir et la vertu, mais il est broyé par la force des passions des autres. Le devoir familial et moral est bafoué.
  • Honneur : L'honneur est essentiel pour ces personnages de haut rang. La honte de sa passion pousse Phèdre au mensonge et au suicide.
  • Fatalité : Phèdre se sent victime d'une fatalité divine, héritée de sa lignée maudite, qui la pousse à aimer contre sa volonté.
• Structure et versification (alexandrin) :
  • Structure : La pièce est divisée en cinq actes, respectant les unités de temps, de lieu et d'action. L'action est resserrée, le rythme est rapide, la tension monte progressivement jusqu'à la catastrophe finale.
  • Versification : La pièce est entièrement écrite en alexandrins, vers de douze syllabes, avec une césure (pause) à la sixième syllabe, et des rimes plates (AABB). L'alexandrin classique confère à la tragédie une grande solennité et une musicalité particulière. Exemple : "Le jour n'est pas plus pur que le fond de mon cœur." (Hippolyte) La langue est noble, poétique, et d'une grande clarté.

Le XVIIIe siècle est marqué par une remise en question des conventions héritées du classicisme.

• Critique des conventions classiques : Les règles strictes des trois unités, de la bienséance et de la vraisemblance commencent à être perçues comme des contraintes arbitraires qui brident la liberté créatrice. Des auteurs comme Diderot appellent à un théâtre plus proche de la vie réelle et des préoccupations contemporaines.
• Émergence du drame bourgeois : Inspiré par le théâtre anglais (tragédie domestique) et les idées de Diderot, le drame bourgeois apparaît comme un genre nouveau. Il met en scène des personnages de la bourgeoisie, aux prises avec des problèmes quotidiens et des dilemmes moraux. L'objectif est d'émouvoir le spectateur et de lui montrer des exemples de vertu. Le ton est sérieux, parfois larmoyant. Il s'agit d'un genre intermédiaire entre la tragédie et la comédie.
• Influence de la philosophie des Lumières : Les idées de liberté, d'égalité, de justice, de tolérance et de critique des privilèges, diffusées par les philosophes des Lumières (Voltaire, Rousseau, Diderot), imprègnent le théâtre. Les pièces deviennent souvent des tribunes pour dénoncer les injustices sociales ou politiques, et pour défendre de nouvelles valeurs.

Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais est un dramaturge majeur de la fin du XVIIIe siècle, dont l'œuvre la plus célèbre est Le Mariage de Figaro.

• Le Mariage de Figaro : critique sociale et politique : Créée en 1784, cette pièce est une comédie en cinq actes qui dénonce les privilèges de la noblesse et les injustices de l'Ancien Régime. La pièce est censurée pendant plusieurs années avant d'être jouée, tant son propos est subversif. Elle préfigure les idées de la Révolution française. Beaumarchais y critique la société d'ordres et l'arbitraire des puissants.
• Personnages emblématiques (Figaro, Suzanne) :
  • Figaro : Ancien barbier devenu valet du Comte Almaviva, c'est un personnage intelligent, rusé, éloquent et rebelle. Il représente le peuple qui s'éveille et conteste l'autorité. Son monologue du Vème acte est une violente critique de la société.
  • Suzanne : La future épouse de Figaro, camériste de la Comtesse. Elle est vive, spirituelle et pleine de ressources, capable de déjouer les plans du Comte.
  • Le Comte Almaviva, noble et puissant, est dépeint comme un homme arrogant et libertin qui abuse de son pouvoir.
• Thèmes de la liberté et de l'égalité : La pièce explore la lutte entre les classes sociales, le droit des individus à disposer d'eux-mêmes (notamment le droit de Figaro à épouser Suzanne sans l'accord du Comte), et la dénonciation de l'arbitraire et de la corruption. C'est un hymne à la liberté individuelle et à la remise en question des hiérarchies établies.

Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux est un dramaturge connu pour ses comédies d'analyse psychologique et de finesse du dialogue, qui ont donné naissance au terme "marivaudage".

• Analyse de L'Île des esclaves ou Le Jeu de l'amour et du hasard :
  • L'Île des esclaves (1725) : Une pièce allégorique où maîtres et valets échangent leurs rôles sur une île. Elle interroge la nature humaine et la notion de servitude, montrant comment le pouvoir corrompt et comment l'égalité peut faire naître la compassion. C'est une critique des conventions sociales et de la hiérarchie.
  • Le Jeu de l'amour et du hasard (1730) : Silvia et Dorante, promis l'un à l'autre, décident de se travestir en valets pour observer leur futur conjoint sans préjugés. Leurs valets respectifs, Arlequin et Lisette, se travestissent en maîtres. La pièce explore les subtilités du sentiment amoureux et les illusions sociales.
• Psychologie amoureuse et finesse du dialogue : Les pièces de Marivaux sont célèbres pour leur exploration délicate et nuancée des sentiments amoureux. Les personnages hésitent, se cherchent, se testent, et expriment leurs émotions avec une grande subtilité. Le marivaudage désigne ce dialogue raffiné, plein de sous-entendus, de coquetteries et de badinage amoureux.
• Questionnement des conventions sociales : Marivaux utilise souvent le travestissement ou le jeu de rôle pour interroger les hiérarchies sociales, les préjugés et l'authenticité des sentiments. Ses pièces montrent que l'identité sociale peut masquer la véritable nature des individus et que l'amour peut surgir au-delà des conventions.

Le romantisme est un mouvement artistique et littéraire européen qui apparaît au début du XIXe siècle, en réaction contre le rationalisme des Lumières et les règles classiques.

• Préface de Cromwell de Victor Hugo : Publiée en 1827, cette préface est considérée comme le manifeste du drame romantique. Hugo y prône une liberté totale de création, refusant les unités classiques et la séparation stricte des genres. Il défend l'idée que le théâtre doit imiter la nature, qui est elle-même un mélange du beau et du laid, du sublime et du grotesque. C'est une déclaration de guerre au classicisme.
• Mélange des genres (tragique et comique) : Contrairement au classicisme qui séparait strictement la tragédie et la comédie, le drame romantique revendique le mélange des genres. Les pièces peuvent alterner des scènes graves et des scènes légères, des moments de larmes et des moments de rire, pour mieux refléter la complexité de la vie.
• Importance de l'histoire et de la couleur locale : Le drame romantique se tourne vers l'histoire nationale (souvent médiévale ou de la Renaissance) pour y puiser ses sujets. Il accorde une grande importance à la couleur locale, c'est-à-dire la reconstitution précise de l'époque et du lieu de l'action, à travers les décors, les costumes et le langage. L'exotisme et le pittoresque sont valorisés.

Victor Hugo est la figure emblématique du romantisme français, auteur de poèmes, romans et pièces de théâtre.

• Hernani : scandale et triomphe : Créée en 1830, la pièce Hernani est l'occasion d'une célèbre "Bataille d'Hernani". Les partisans du romantisme (les "jeunes barbares") affrontent les défenseurs du classicisme (les "perruques"). La pièce, avec ses vers brisés, ses mélanges de tons, ses personnages passionnés et sa rupture des règles, provoque un tumulte sans précédent. Elle finit par triompher et marque la victoire définitive du drame romantique.
• Personnages passionnés et marginaux : Les héros romantiques sont souvent des êtres excessifs, solitaires, révoltés, déchirés par des passions intenses et des dilemmes moraux. Ils sont en marge de la société, souvent hors-la-loi ou victimes de l'injustice. Don Ruy Gomez dans Hernani est un vieil homme jaloux, Hernani est un bandit noble, Doña Sol est une femme amoureuse et audacieuse.
• Thèmes de la liberté et de la fatalité : Le drame romantique explore la quête de liberté (politique, individuelle, artistique) mais aussi le poids de la fatalité et du destin qui pèse sur les personnages. L'amour est souvent un amour absolu mais impossible, confronté aux obstacles sociaux ou au destin. La pièce est une lutte constante contre l'oppression et le destin.

Vers la fin du XIXe siècle, en réaction au romantisme jugé trop excessif et idéalisé, apparaissent le réalisme puis le naturalisme.

• Représentation de la vie quotidienne : Le théâtre réaliste cherche à montrer la vie telle qu'elle est, sans fard ni embellissement. Il met en scène des personnages ordinaires, des situations tirées du quotidien, et aborde des problèmes sociaux concrets. Le but est de créer une "tranche de vie" sur scène.
• Influence de la science et de la sociologie : Fortement influencé par les avancées scientifiques (médecine, biologie) et les théories sociologiques, le naturalisme considère l'homme comme un produit de son hérédité et de son milieu. Le théâtre devient un laboratoire où l'on observe les comportements humains, leurs déterminismes. Émile Zola est le théoricien de ce mouvement.
• Théâtre libre d'Antoine : André Antoine fonde le Théâtre Libre en 1887. Il révolutionne la mise en scène en cherchant à recréer un environnement réaliste sur scène (par exemple, en utilisant de vrais meubles, en cassant le "quatrième mur", en faisant jouer les acteurs dos au public). Il met l'accent sur le jeu naturel des acteurs et la fidélité au texte. C'est une rupture majeure avec les conventions théâtrales précédentes.

Né après la Seconde Guerre mondiale, le théâtre de l'absurde est une réaction à la folie du monde et à la perte de sens.

• Contexte d'après-guerre et crise des valeurs : Les horreurs des guerres mondiales, l'Holocauste, la menace nucléaire, la décolonisation... tout cela engendre un sentiment de désillusion et de perte de repères. Les systèmes de valeurs traditionnels sont remis en question, l'existence humaine apparaît dénuée de sens.
• Absurdité de l'existence et de la communication : Les pièces du théâtre de l'absurde mettent en scène des situations illogiques, des dialogues décousus, des personnages sans identité claire, et un sentiment d'attente vaine. La communication est souvent impossible ou absurde, le langage est vidé de son sens. L'homme est confronté à un univers indifférent et insensé.
• Auteurs : Ionesco, Beckett :
  • Eugène Ionesco : Auteur de pièces comme La Cantatrice chauve ou Rhinocéros. Il explore la déshumanisation et la prolifération du langage vide de sens.
  • Samuel Beckett : Son œuvre la plus célèbre, En attendant Godot, met en scène deux vagabonds qui attendent un personnage qui ne vient jamais, symbolisant l'attente stérile et le vide de l'existence. Ces pièces sont caractérisées par la répétition, le non-sens, l'absence de progression dramatique classique.

Au-delà du théâtre de l'absurde, le XXe siècle voit l'émergence de nombreuses autres formes expérimentales.

• Remise en cause de la narration linéaire : Le nouveau théâtre rompt avec l'intrigue traditionnelle, le développement psychologique des personnages et la chronologie linéaire. Les pièces peuvent être fragmentées, non narratives, ou utiliser des formes non conventionnelles.
• Importance de la mise en scène : La mise en scène prend une importance capitale. Le texte n'est plus le seul élément central ; le corps des acteurs, l'espace scénique, la lumière, le son, deviennent des éléments d'expression à part entière, parfois plus importants que les mots. Des metteurs en scène comme Antonin Artaud (théâtre de la cruauté) ou Bertolt Brecht ont marqué cette évolution.
• Théâtre engagé et politique (Brecht, Sartre) :
  • Bertolt Brecht : Théoricien du théâtre épique ou théâtre didactique. Il cherche à provoquer une prise de conscience critique chez le spectateur, plutôt qu'une identification émotionnelle. Il utilise la distanciation (Verfremdungseffekt) pour empêcher le public de s'immerger totalement dans l'illusion et l'inciter à réfléchir aux problèmes sociaux et politiques.
  • Jean-Paul Sartre : Figure majeure de l'existentialisme, il utilise le théâtre pour explorer des questions philosophiques comme la liberté, la responsabilité, l'engagement et l'absurdité de l'existence (ex: Huis clos).

Le théâtre contemporain, depuis la fin du XXe siècle et au début du XXIe, se caractérise par une grande diversité et une abolition des frontières entre les genres.

• Théâtre post-dramatique : Ce terme, forgé par Hans-Thies Lehmann, désigne un théâtre qui ne met plus l'intrigue ou le drame au centre de sa préoccupation. Il peut s'agir de performances, d'installations, de formes hybrides qui interrogent la nature même du spectacle vivant. Le texte peut être secondaire, fragmenté, ou absent.
• Performance et interactivité : Le théâtre contemporain explore souvent la performance, qui met l'accent sur l'action, le corps de l'acteur et la relation directe avec le public. L'interactivité peut être recherchée, brisant le quatrième mur et impliquant le spectateur dans l'expérience théâtrale.
• Auteurs contemporains (Lagarde, Pommerat, Joël) :
  • Joël Pommerat : Connu pour ses réécritures de contes (Cendrillon, Le Petit Chaperon rouge) et ses créations originales qui interrogent le monde contemporain avec une grande force visuelle et sonore.
  • Valère Novarina : Auteur d'un théâtre du langage, où les mots sont des êtres vivants et où le sens est souvent déconstruit pour laisser place à une expérience poétique et sensorielle.
  • Wajdi Mouawad : Auteur et metteur en scène, il est connu pour ses grandes fresques épiques et tragiques qui explorent les thèmes de la mémoire, de la guerre, de l'exil et de la quête d'identité (Incendies). Ces auteurs utilisent des formes très variées, allant du monologue à la fresque monumentale, du réalisme au fantastique, du texte à la performance, témoignant de la richesse et de la liberté créatrice du théâtre actuel.

Le metteur en scène est l'artiste qui transforme le texte dramatique en spectacle. Il est l'architecte de la représentation.

• Interprétation du texte dramatique : Le metteur en scène lit et analyse le texte pour en dégager une vision, un sens, une intention. Il peut choisir une interprétation fidèle à l'époque de l'œuvre ou, au contraire, une relecture contemporaine, voire radicale. Cette interprétation est la colonne vertébrale du spectacle.
• Choix esthétiques et scénographiques : Il définit l'ambiance générale du spectacle : les décors, les costumes, les lumières, le son, la musique. Ces choix ne sont pas arbitraires ; ils participent à la signification de la pièce et à l'émotion ressentie par le public.
• Direction d'acteurs : Le metteur en scène travaille avec les comédiens pour qu'ils incarnent les personnages et transmettent les émotions et les intentions de la pièce. Il les guide dans leur gestuelle, leur voix, leurs déplacements sur scène.

La mise en scène est l'ensemble des moyens techniques et artistiques qui donnent vie à une pièce.

• Scénographie (décors, accessoires) :
  • Les décors créent l'espace de l'action. Ils peuvent être réalistes, stylisés, symboliques, minimalistes ou grandioses. Ils situent l'action dans le temps et l'espace, et peuvent refléter l'état d'esprit des personnages.
  • Les accessoires (objets utilisés par les acteurs) sont cruciaux pour le réalisme ou le symbolisme de la scène. Un simple objet peut avoir une grande importance.
• Lumières et son :
  • Les lumières sculptent l'espace, créent des ambiances (jour/nuit, sombre/clair, chaleur/froideur), mettent en valeur certains personnages ou parties du décor. Elles guident le regard du spectateur et renforcent l'émotion.
  • Le son (musique, bruitages, voix off) participe à l'atmosphère, souligne des moments clés, crée des ruptures ou des continuités.
• Costumes et maquillage :
  • Les costumes définissent l'époque, le statut social, la personnalité des personnages. Ils peuvent être fidèles à l'histoire ou délibérément anachroniques pour créer un décalage.
  • Le maquillage complète le costume, accentue les traits des personnages, les vieillit ou les rajeunit, les transforme. Tous ces éléments visuels et sonores construisent le sens du spectacle.

L'acteur est le corps et la voix qui donnent vie au texte et à la vision du metteur en scène. La réaction du public est la finalité de toute représentation.

• Techniques d'interprétation : Les acteurs utilisent leur corps, leur voix, leurs expressions faciales pour incarner leur personnage. Il existe différentes écoles de jeu : du jeu naturaliste (proche de la vie réelle) au jeu stylisé (plus théâtral, symbolique), en passant par le jeu distancié (comme chez Brecht). Leurs déplacements (le blocking) sont aussi essentiels.
• Relation scène-salle : Le théâtre est un art de la rencontre. La relation entre les acteurs sur scène et le public dans la salle est unique. Le "quatrième mur" (mur imaginaire séparant la scène du public) peut être respecté ou brisé, impliquant le spectateur. L'énergie du public peut influencer le jeu des acteurs.
• Impact émotionnel et intellectuel : Le théâtre vise à provoquer des émotions (rire, larmes, peur, colère) et à stimuler la réflexion. Il peut divertir, émouvoir, déranger, instruire, provoquer une prise de conscience. La réception du public est la preuve que le spectacle a atteint son but, qu'il a créé un dialogue entre l'œuvre et le spectateur.