El lenguaje fotográfico: planos y ángulos

El encuadre es el primer paso creativo en la fotografía. Consiste en decidir qué elementos incluimos dentro del visor de nuestra cámara y cuáles dejamos fuera. Al encuadrar, estamos seleccionando una parte de la realidad para darle un significado concreto.

• Límites del visor: Actúan como un marco que aísla la imagen del resto del mundo.
• Formato horizontal vs. vertical:
  • El formato horizontal (paisaje) transmite tranquilidad y estabilidad, siendo el más natural para el ojo humano.
  • El formato vertical (retrato) sugiere fuerza, altura y dinamismo.
• El aire en la composición: Se refiere al espacio vacío que rodea al sujeto. Un exceso de aire puede transmitir soledad, mientras que la falta de él puede generar agobio o claustrofobia.

Es la técnica de composición más conocida para lograr equilibrio visual. Consiste en dividir la imagen en una cuadrícula de 3x3 mediante dos líneas horizontales y dos verticales imaginarias.

• Puntos de intersección: Los cuatro puntos donde se cruzan las líneas son los llamados puntos fuertes. Si colocamos nuestro centro de interés en uno de estos puntos, la imagen será más atractiva.
• Equilibrio visual: No siempre hay que centrar al sujeto; de hecho, el descentrado del sujeto suele generar composiciones más dinámicas y profesionales.

Para "leer" una fotografía, debemos entender sus componentes básicos:

1. El punto y la línea: El punto atrae la mirada; las líneas dirigen el recorrido visual (las diagonales aportan tensión y movimiento).
2. Textura y forma: La textura permite "sentir" la superficie de los objetos a través de la vista, mientras que la forma define su contorno.
3. Ritmo visual: Se produce por la repetición de elementos, creando una sensación de armonía o caos según cómo se utilicen.

Estos planos sirven para situar al espectador en un lugar determinado.

• Gran Plano General (GPG): Muestra un escenario amplio donde el ser humano es apenas un punto. Su función es puramente descriptiva o geográfica.
• Plano General (PG): El sujeto es visible y ocupa una parte del encuadre, pero el entorno sigue siendo el protagonista. Sirve para mostrar la relación entre el personaje y el lugar.

Se centran en el sujeto y en lo que está haciendo.

• Plano Entero (PE): Encuadra al personaje de pies a cabeza. Ideal para mostrar la acción física y la vestimenta.
• Plano Americano (PA): También llamado plano tres cuartos, corta al sujeto por las rodillas. Se popularizó en el cine western para mostrar las cartucheras de los vaqueros.
• Plano Medio (PM): Corta al sujeto por la cintura. Es el plano de la conversación por excelencia, permitiendo ver los gestos de las manos.

Buscan transmitir emociones y detalles íntimos.

• Primer Plano (PP): Se centra en el rostro y los hombros. Es el plano de la emoción y la introspección.
• Primerísimo Primer Plano (PPP): Desde la frente hasta la barbilla. Capta la máxima expresión facial.
• Plano Detalle (PD): Muestra un objeto o una parte pequeña del cuerpo (un ojo, una mano). Dirige la atención de forma directa a algo concreto que de otro modo pasaría desapercibido.

• Ángulo Normal o a nivel: La cámara se sitúa a la altura de los ojos del sujeto. Transmite estabilidad y una visión objetiva de la realidad.
• Picado: La cámara se sitúa por encima del sujeto, mirando hacia abajo. Psicológicamente, hace que el sujeto parezca más pequeño, vulnerable o crea una sensación de inferioridad.
• Contrapicado: La cámara se sitúa por debajo del sujeto, mirando hacia arriba. Enaltece al personaje, dándole una sensación de heroísmo, poder o superioridad.

• Cenital (vista de pájaro): La cámara se coloca totalmente perpendicular al suelo, mirando hacia abajo. Ideal para mapas visuales o composiciones geométricas.
• Nadir (vista de gusano): La cámara se sitúa totalmente perpendicular al cielo, mirando hacia arriba. Es un contrapicado extremo que genera gran distorsión y dramatismo.
• Ángulo Holandés o aberrante: La cámara se inclina lateralmente (unos $25^\circ$ a $45^\circ$). Produce una sensación de inestabilidad, inquietud o desorientación.

• Punto de vista objetivo: La cámara actúa como un observador externo e invisible.
• Plano subjetivo (POV): La cámara sustituye los ojos del personaje; vemos exactamente lo que él ve.
• La altura de la cámara: No es lo mismo fotografiar a un niño desde nuestra altura (picado) que bajando a la suya (normal). La altura define nuestra empatía con el sujeto.

La luz es la materia prima de la fotografía.

• Luz dura: Produce sombras muy marcadas y mucho contraste. Es ideal para resaltar texturas y formas dramáticas.
• Luz difusa: Las sombras son suaves o inexistentes. Se consigue en días nublados o con difusores. Es muy favorecedora para retratos.
• Direccionalidad:
  • Frontal: Aplana los volúmenes.
  • Lateral: Resalta el volumen y la textura.
  • Contraluz: Crea siluetas y separa al sujeto del fondo.

El color no es solo estético, es narrativo.

• Temperatura de color: Los colores cálidos (rojos, naranjas) transmiten cercanía y energía; los fríos (azules, verdes) transmiten calma o tristeza.
• Armonía y contraste: Una imagen armónica usa colores cercanos en el círculo cromático, mientras que el contraste (colores opuestos) genera impacto visual.

Eliminar el color obliga al espectador a fijarse en las formas, las luces y las sombras.

• Escala de grises: Una buena foto en B/N debe tener una amplia gama desde el blanco puro al negro absoluto.
• Abstracción: Al no haber color, la imagen se aleja de la realidad, ganando en atemporalidad y dramatismo.

Antes de disparar o filmar, se planifica. El storyboard es un conjunto de dibujos que representan la secuencia de planos de una historia.

• Permite verificar la continuidad visual (raccord) para que el espectador no se pierda.
• Ayuda a prever qué ángulos y planos serán necesarios para contar mejor cada momento.

Para aprender fotografía, hay que saber leerla:

1. Lectura denotativa: Descripción objetiva de lo que se ve (hay un hombre, un árbol, es de día).
2. Lectura connotativa: Interpretación de los significados ocultos o simbólicos (soledad, libertad, esperanza).
3. Intención del autor: ¿Qué quería transmitir el fotógrafo al elegir ese plano y no otro?

Para aplicar estos conocimientos, el alumno debe realizar una serie temática donde se demuestre el dominio de la técnica:

• Captura: Mínimo 5 fotos que narren una historia breve.
• Justificación: Explicar por escrito por qué se ha elegido cada tipo de plano y ángulo.
• Edición: Ajustes básicos de brillo, contraste y encuadre para reforzar el mensaje final.