Fotografía y lenguaje audiovisual

El corazón de la fotografía técnica es el triángulo de exposición, que equilibra tres parámetros para lograr una imagen correctamente iluminada:

1. Diafragma (Apertura): Se mide con el número $f$ (ej. $f/2.8$, $f/16$). Controla cuánta luz entra por el objetivo. Un número $f$ pequeño significa mucha apertura.
2. Obturación (Velocidad): El tiempo que el sensor está expuesto a la luz (ej. $1/1000$s para congelar movimiento, $1/2$s para estelas de luz).
3. ISO (Sensibilidad): La capacidad del sensor para captar luz. A mayor ISO, más luz, pero aparece el ruido digital (grano).

La profundidad de campo es la zona de la imagen que aparece enfocada. Depende directamente del diafragma: una apertura grande ($f/1.8$) genera poca profundidad de campo, ideal para el enfoque selectivo en retratos.

Por último, la distancia focal (medida en mm) determina el ángulo de visión. Los grandes angulares (18mm) abarcan mucho espacio pero deforman los bordes, mientras que los teleobjetivos (200mm) acercan objetos lejanos y comprimen el espacio.

Componer es decidir dónde colocar los elementos en el encuadre. La herramienta más conocida es la regla de los tercios: dividimos el cuadro en tres líneas horizontales y tres verticales; los puntos donde se cruzan son los puntos fuertes donde el ojo humano tiende a mirar primero.

El equilibrio y el peso visual se refieren a la fuerza de atracción de los elementos. Un objeto grande, de color cálido o situado a la derecha suele tener más "peso". Las líneas de fuerza (diagonales, curvas en S) sirven para guiar la mirada del espectador y crear una dirección de lectura clara.

La fotografía no solo muestra, también comunica intenciones:

• Fotografía documental: Busca registrar la realidad sin alterarla. El fotoperiodismo es su máxima expresión, informando sobre hechos sociales o bélicos.
• El retrato: Explora la identidad y la psicología del sujeto. No es solo una cara, es una expresión de quién es la persona.
• Fotografía artística: La estética y el concepto priman sobre la realidad. La imagen es un medio para expresar una idea interna del autor.

El plano es la unidad mínima del lenguaje audiovisual. Se define por la escala (cuánta parte del sujeto vemos):

• Gran Plano General (GPG): Contexto total, el sujeto es minúsculo.
• Plano Americano (PA): Corta por las rodillas (clásico del género western).
• Primer Plano (PP): Se centra en el rostro para transmitir emociones.

Los ángulos de cámara cambian la percepción psicológica: el picado (de arriba abajo) hace al sujeto parecer débil, mientras que el contrapicado (de abajo arriba) le otorga poder y superioridad. El campo es lo que vemos en pantalla; el fuera de campo es lo que ocurre fuera pero el espectador intuye.

La cámara puede moverse para seguir la acción o describir el espacio:

• Panorámica: La cámara gira sobre su propio eje (horizontal o verticalmente).
• Travelling: La cámara se desplaza físicamente por el espacio (sobre raíles o ruedas).
• Zoom: Es un movimiento óptico (no físico) que acerca al sujeto.
• Steadycam: Sistema de estabilización que permite movimientos fluidos incluso si el operador corre.

Para que el espectador no se confunda, debemos mantener la continuidad o raccord. La regla más importante es la regla de los 180 grados: si trazamos una línea imaginaria entre dos personajes que hablan, la cámara nunca debe cruzar esa línea. Si la cruza, se produce un salto de eje, y los personajes parecerán estar mirando hacia el lado equivocado, rompiendo la lógica espacial.

Toda historia parte de una idea que se desarrolla en un planteamiento (presentación de personajes), nudo (desarrollo del conflicto) y desenlace (resolución). El conflicto dramático es el motor de la historia: alguien quiere algo y encuentra obstáculos para conseguirlo.

1. Guion literario: Describe qué vemos y qué escuchamos. Incluye diálogos y acciones, pero no detalles técnicos.
2. Guion técnico: Es la traducción del literario a planos. Especifica el tipo de plano, el ángulo, el movimiento de cámara y el sonido de cada toma.

El storyboard es el guion dibujado en viñetas. Permite al director ver cómo funcionará la composición antes de rodar. Junto a él, se utiliza la planta de cámara, un mapa cenital que indica dónde se sitúan los actores, las luces y la cámara en el set.

El montaje puede ser lineal (cronológico) o paralelo (dos acciones que ocurren a la vez en sitios distintos). Un concepto clave es el Efecto Kuleshov: la audiencia otorga un significado diferente a un rostro dependiendo del plano que le sigue (si vemos un hombre y luego comida, parece hambriento; si vemos al hombre y luego un ataúd, parece triste). El montaje crea significado mediante la yuxtaposición.

Hoy usamos software de edición no lineal (como Premiere o DaVinci). Las transiciones más comunes son:

• Corte seco: Paso directo de un plano a otro.
• Fundido a negro: Indica el final de una escena o el paso del tiempo.
• Encadenado: Una imagen se desvanece mientras aparece la siguiente.

El sonido es el 50% de la experiencia. Distinguimos entre:

• Sonido diegético: Lo que escuchan los personajes (un diálogo, una radio en la escena).
• Sonido extradiegético: Solo lo escucha el espectador (la música de tensión, el narrador en off).
• Efectos Foley: Sonidos de sala grabados aparte para dar realismo (pasos, cristales rotos).

Al analizar una imagen, diferenciamos:

• Denotación (objetiva): Lo que hay físicamente (un hombre con traje rojo).
• Connotación (subjetiva): Lo que sugiere (poder, peligro, elegancia). Es vital analizar cómo la publicidad usa estos códigos para crear estereotipos o manipular nuestras emociones.

El lenguaje audiovisual evoluciona con formatos como el videoarte (experimental), las narrativas transmedia (historias que saltan de una película a un videojuego o red social) y el stop-motion (animación foto a foto de objetos físicos).

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