Formas instrumentales barrocas

El Barroco se define por una nueva concepción de la textura musical. Mientras que en el Renacimiento predominaba la polifonía horizontal de voces iguales, el Barroco introduce la melodía acompañada.

El elemento vertebrador de esta época es el Bajo Continuo. Consiste en una línea de bajo (la nota más grave) sobre la cual se improvisa un acompañamiento armónico. Para facilitar esta tarea, los compositores utilizaban el cifrado del bajo, un sistema de números y signos colocados bajo las notas que indicaban al intérprete qué acordes debía construir.

Los instrumentos encargados del continuo suelen dividirse en dos grupos:

1. Instrumentos polifónicos o armónicos: Clave, órgano, laúd o tiorba (capaces de tocar acordes).
2. Instrumentos melódicos graves: Violonchelo, viola da gamba o fagot (refuerzan la línea del bajo).

Todo este lenguaje está al servicio de la Doctrina de los Afectos (Affektenlehre), una teoría estética que buscaba representar emociones específicas (alegría, tristeza, ira) mediante recursos musicales determinados.

El término estilo concertato proviene del latín concertare (competir o luchar, pero también concertar). Se basa en la oposición de planos sonoros, creando un diálogo dinámico entre diferentes grupos de instrumentos.

Este contraste se manifiesta de varias formas:

• Dinámicas en terraza: A diferencia del crescendo progresivo moderno, el Barroco prefiere cambios bruscos de volumen (pasar de un forte a un piano sin transición).
• Diálogo entre solista y tutti: La alternancia entre un pequeño grupo o solista y el resto de la orquesta.
• Virtuosismo técnico: El desarrollo de la luthería permitió que los músicos exploraran límites técnicos (velocidad, registros agudos, dobles cuerdas) que se convirtieron en elementos estructurales de la obra.

Durante el siglo XVII, la orquesta deja de ser un conjunto variable de instrumentos para convertirse en una plantilla estandarizada. El núcleo fundamental es la familia de la cuerda frotada (violines, violas, violonchelos y contrabajos).

Poco a poco se incorporan instrumentos de viento:

• Maderas: Flautas de pico y traveseras, oboes y fagotes.
• Metales: Trompetas y trompas (normalmente sin válvulas, llamadas "naturales").

El papel del director no recaía en una figura externa con batuta, sino que el liderazgo se ejercía desde el clave o por el primer violín (concertino).

La fuga es la forma más compleja y perfeccionada del contrapunto imitativo. Su estructura es rigurosa y se basa en el desarrollo de una única idea musical.

Los elementos fundamentales son:

1. Sujeto: El tema principal, que se presenta solo al principio.
2. Respuesta: La imitación del sujeto en otra voz, generalmente a una distancia de quinta.
3. Contrasujeto: El material melódico que acompaña a la respuesta.
4. Episodios: Secciones de transición donde no aparece el sujeto completo, sirviendo para modular (cambiar de tonalidad).
5. Estrechos (Stretti): Momentos de tensión donde las entradas del sujeto se solapan unas con otras.
6. Pedal: Una nota larga en el bajo sobre la que se suceden tensiones armónicas antes del final.

Para mantener el interés en una obra basada en un solo tema, los compositores utilizaban artificios matemáticos y melódicos:

• Imitación canónica: Repetición exacta de una melodía en otra voz.
• Inversión: Dar la vuelta a los intervalos (si el tema sube, la inversión baja).
• Retrogradación: Tocar el tema de atrás hacia adelante (el "cangrejo").
• Aumentación y disminución: Alargar o acortar la duración de las notas del tema original.

La textura polifónica densa resultante es una de las cumbres intelectuales de la música occidental, alcanzando su máximo esplendor con J.S. Bach.

Antes y durante la hegemonía de la fuga, existieron otras formas:

• Ricercare: Antecesor de la fuga, de carácter serio y vocal, muy común para órgano.
• Canzona: Más rítmica y seccionada que el ricercare.
• Invenciones a dos voces: Piezas didácticas que exploran la imitación simple.
• Preludios corales: Composiciones para órgano que utilizan una melodía de himno religioso como base para el desarrollo imitativo.

La suite es una colección de danzas de distintos caracteres y ritmos. Su origen está en la costumbre renacentista de agrupar danzas (como Pavana y Gallarda). En el Barroco, estas piezas pierden su función de baile para convertirse en música de concierto (estilización de la danza).

Todas las piezas de una suite comparten la misma tonalidad (unidad tonal) y suelen tener una forma binaria (A-B):

• Parte A: Va de la tónica a la dominante.
• Parte B: Regresa de la dominante a la tónica.

Aunque la estructura era flexible, se consolidó un núcleo de cuatro danzas obligatorias:

Entre la Sarabande y la Gigue, se solían insertar las galanteries:

• Minueto: Danza elegante en $3/4$.
• Gavota: Ritmo binario con comienzo en mitad del compás.
• Chacona: Basada en una variación sobre un bajo obstinado.
• Preludio u Obertura: Pieza introductoria que no es una danza.
• Air o Aria: Pieza melódica de carácter lírico, no bailable.

La palabra "sonata" (del italiano suonare) designaba genéricamente una pieza para ser tocada. Se distinguen dos tipos principales:

1. Sonata da chiesa (de iglesia): De carácter serio, evitaba ritmos de danza. Su estructura estándar era Lento-Rápido-Lento-Rápido.
2. Sonata da camera (de cámara): Destinada al entretenimiento en la corte. Era, en esencia, una suite de danzas precedida por un preludio.

Es el género de música de cámara más importante del Barroco. Aunque se llama "en trío", requiere generalmente a cuatro intérpretes:

• Dos voces agudas (normalmente dos violines).
• El Bajo Continuo (un violonchelo + un clave).

Arcangelo Corelli fue el gran referente formal de este género, estableciendo un equilibrio perfecto y un intercambio temático constante entre las dos voces superiores.

Escrita para un instrumento melódico y bajo continuo, o para un instrumento polifónico solo.

• En el violín, permitió el desarrollo de grandes virtuosos italianos.
• En el teclado, destaca Domenico Scarlatti, quien compuso más de 500 sonatas de un solo movimiento, explorando técnicas innovadoras como el cruce de manos y grandes saltos.

Es la forma orquestal barroca por excelencia. Se basa en el contraste entre:

• Concertino: Un pequeño grupo de solistas (generalmente dos violines y violonchelo).
• Ripieno: La orquesta completa (el "relleno").

La música fluye mediante el diálogo entre ambos grupos. Händel y Corelli son los máximos exponentes de este modelo.

Derivado del anterior, pero aquí el contraste se establece entre un único instrumento solista y la orquesta. Antonio Vivaldi fue quien fijó su estructura en tres movimientos:

1. Allegro: Rápido y vigoroso.
2. Adagio o Largo: Lento y cantabile.
3. Allegro: Rápido, a menudo con carácter de danza.

Vivaldi también impulsó el concierto programático, donde la música intenta describir elementos externos, como ocurre en Las Cuatro Estaciones.

La mayoría de los primeros y terceros movimientos de los conciertos barrocos utilizan la forma Ritornello:

• Ritornello: Es el tema principal interpretado por el tutti (la orquesta). Es estable tonalmente y reaparece varias veces a lo largo del movimiento, a veces de forma fragmentada o en distintas tonalidades.
• Episodios: Son las secciones donde el solista muestra su destreza. Son secciones modulantes (inestables) y suelen introducir material nuevo o desarrollar motivos del ritornello.

Esta jerarquía asegura que el oyente siempre tenga un punto de referencia claro (el ritornello) frente a la fantasía y el virtuosismo del solista.