Renacimiento y Barroco musical

El Renacimiento (siglos XV y XVI) supone una ruptura con la mentalidad medieval. El centro del universo ya no es Dios (Teocentrismo), sino el ser humano (Antropocentrismo). En música, esto se traduce en una búsqueda de la belleza, la armonía y la claridad natural.

Tres pilares sostuvieron esta revolución cultural:

1. El Humanismo: Movimiento intelectual que rescató los valores de la Antigüedad Clásica.
2. El Mecenazgo: Los nobles y reyes (como los Médici o los Reyes Católicos) competían por tener a los mejores músicos en sus cortes para mostrar su poder.
3. La Imprenta Musical: Inventada por Ottaviano Petrucci en 1501, permitió que las partituras circularan por toda Europa, unificando el estilo musical.

La Iglesia seguía siendo el principal cliente de los músicos, pero la Reforma Protestante de Lutero obligó a la Iglesia Católica a reaccionar con la Contrarreforma (Concilio de Trento).

• El Motete: Composición breve sobre textos sagrados en latín, sin acompañamiento instrumental (a cappella).
• La Misa: Composición extensa que musicaliza las partes del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei).

El estilo dominante fue la polifonía imitativa, donde las distintas voces se imitan unas a otras creando un tejido sonoro denso. Destaca Giovanni Pierluigi da Palestrina, cuyo estilo equilibrado y claro fue el modelo a seguir para no oscurecer el texto sagrado.

A diferencia de la religiosa, la música profana buscaba el placer y la expresión de sentimientos humanos como el amor.

• El Madrigal: De origen italiano, es la forma más sofisticada. La música intenta describir visualmente el significado de las palabras (si el texto dice "subir", la melodía asciende), técnica conocida como madrigalismo.
• El Villancico: En España, era una forma estrófica sencilla (estribillo y coplas) para varias voces, de carácter popular y rítmico. Destacan autores como Juan del Encina.

En el Renacimiento, los instrumentos se agrupaban en consorts o familias (soprano, contralto, tenor y bajo) para obtener una sonoridad homogénea.

• Cuerda: La vihuela fue el instrumento rey en España (antecedente de la guitarra), mientras que en Europa predominaba el laúd.
• Teclado: El órgano (iglesias) y el clave o virginal (casas nobles).

Al principio, los instrumentos imitaban a la voz, pero pronto surgieron formas puramente instrumentales:

• Variaciones o Diferencias: Consiste en presentar un tema sencillo y repetirlo añadiendo adornos y cambios cada vez más complejos.
• Tiento y Ricercare: Piezas basadas en la imitación, similares al motete pero para ser tocadas.
• Transcripciones: Versiones para laúd o teclado de canciones vocales famosas.

La danza era una actividad social fundamental. Se solían agrupar en parejas de contraste:

1. Pavana: Danza binaria, lenta y majestuosa.
2. Gallarda: Danza ternaria, rápida y con saltos.

Gracias a tratados como el de Thoinot Arbeau, hoy conocemos los pasos y ritmos que se bailaban en las cortes europeas.

Alrededor de 1600, los músicos buscaron una mayor expresividad emocional. La Camerata Fiorentina (un grupo de intelectuales en Florencia) criticó la polifonía compleja porque no se entendía el texto.

Propusieron la Monodia acompañada: una sola melodía con un acompañamiento sencillo. Para ello inventaron el Bajo Continuo, una línea de bajo que sostiene toda la estructura armónica y que suele ser interpretada por un instrumento grave (violonchelo) y uno polifónico (clave u órgano).

La ópera nació del deseo de resucitar la tragedia griega. Claudio Monteverdi con su obra Orfeo (1607) consolidó el género.

• Recitativo: Estilo declamado, a medio camino entre hablar y cantar, para avanzar en la acción.
• Aria: Momento de lucimiento del solista, donde se expresan los sentimientos.
• Libreto: El texto escrito de la ópera.

Se adoptaron las novedades de la ópera (solistas, orquesta) para el culto:

• Oratorio: Como una ópera pero de tema religioso y sin representación escénica.
• Cantata: Obra para solistas, coro y orquesta, fundamental en la liturgia luterana.
• Pasión: Gran cantata sobre la muerte de Cristo. J.S. Bach es el máximo exponente con su Pasión según San Mateo.

El término concerto implica "lucha" o "diálogo" entre grupos sonoros.

1. Concerto Grosso: Diálogo entre un grupo pequeño de solistas (concertino) y la orquesta completa (tutti o ripieno).
2. Concierto para Solista: Un solo instrumento frente a la orquesta.

Antonio Vivaldi fijó la estructura en tres movimientos: Rápido - Lento - Rápido. Su obra Las Cuatro Estaciones es el ejemplo más famoso de música descriptiva.

• La Suite: Sucesión de danzas de distintos países. Las fijas son: Allemande (alemana), Courante (francesa), Zarabanda (española) y Giga (inglesa).
• La Fuga: La forma más compleja de contrapunto. Una sola melodía (sujeto) entra en una voz, luego es imitada por otra (respuesta) y se desarrolla en episodios hasta el final.

Significa "música para ser sonada" (tocada).

• Sonata da chiesa: (De iglesia) Más seria.
• Sonata da camera: (De cámara) Basada en ritmos de danza.
• Trío Sonata: Escrita para cuatro instrumentistas (dos melodías agudas y el bajo continuo, que requiere dos personas).

España desarrolló sus propios géneros escénicos:

• La Zarzuela: Obra que alterna partes cantadas y habladas. Su nombre viene del Palacio de la Zarzuela. Autores como Juan Hidalgo colaboraron con grandes dramaturgos como Calderón de la Barca.
• La Tonadilla escénica: Pieza corta de carácter satírico y popular que se representaba en los intermedios.

• Domenico Scarlatti: Aunque italiano, vivió en Madrid y compuso más de 500 sonatas para clave, influenciadas por los ritmos y giros de la música española.
• Gaspar Sanz: Autor del tratado Instrucción de música sobre la guitarra española, que incluye piezas famosas como "Canarios".
• El órgano ibérico: Se distingue por la trompetería de batalla (tubos horizontales que proyectan un sonido potente y brillante).

En las catedrales españolas fue muy común la policoralidad, situando a varios coros en diferentes lugares del templo para crear un efecto de "sonido envolvente". El villancico se transformó en una pieza religiosa compleja, con instrumentos y ritmos populares (como la jácara), que se cantaba en festividades importantes como el Corpus o Navidad.