El teatro clásico: Shakespeare y Molière

El paso del Renacimiento al Barroco marca una transición del optimismo humanista a una visión más compleja y, a menudo, desengañada del mundo.

• Antropocentrismo y humanismo: El teatro sitúa al ser humano en el centro del universo. Ya no se trata solo de la relación del hombre con Dios, sino de sus conflictos internos, sus pasiones y su papel en la sociedad.
• Profesionalización: Surgen las primeras compañías estables. Los actores dejan de ser vagabundos para convertirse en profesionales protegidos por nobles o por el propio monarca.
• Espectáculo de masas: El teatro se convierte en el principal entretenimiento. Acuden desde el pueblo llano hasta la aristocracia, lo que obliga a los autores a escribir obras con múltiples niveles de lectura para satisfacer a todos.

La arquitectura teatral define en gran medida el tipo de obras que se escribían:

• El teatro isabelino (The Globe): En Inglaterra, los teatros eran circulares o poligonales, al aire libre. El escenario se proyectaba hacia el público (escenario de corbata), lo que permitía una gran cercanía y obligaba a los actores a usar la palabra para crear la escenografía (escenografía verbal).
• Los teatros de corte en Francia: A diferencia de Inglaterra, el teatro francés se desarrolló a menudo en recintos cerrados, más refinados y con el uso de la perspectiva y decorados pintados.
• Comparativa con España: Mientras que en España los corrales de comedias aprovechaban los patios interiores de las manzanas de casas, en Europa se tendía hacia edificios exentos (Inglaterra) o salas palaciegas (Francia).

La poética clásica de Aristóteles dictaba tres unidades: acción (una sola trama), tiempo (máximo 24 horas) y lugar (un único espacio).

• Shakespeare rompió totalmente con estas normas, saltando años y continentes en una misma obra para dar prioridad a la libertad creativa.
• Molière, aunque más cercano al clasicismo francés, también flexibilizó estas reglas para potenciar la comicidad y el dinamismo de sus tramas.
• Se produce la mezcla de lo trágico y lo cómico, reflejando la vida misma, donde el dolor y la risa conviven.

• Profundidad psicológica: Sus personajes no son planos; evolucionan, dudan y sufren contradicciones. No son meros arquetipos, sino seres vivos.
• Verso blanco y prosa: Shakespeare combina el verso (generalmente el pentámetro yámbico) para los personajes nobles y los momentos elevados, con la prosa para los personajes populares o situaciones cómicas.
• El soliloquio: Es la herramienta clave para la introspección. A través de ellos, el personaje revela al público sus pensamientos más íntimos, creando una complicidad única.

Las tragedias de Shakespeare exploran la caída de hombres extraordinarios debido a un error trágico o una pasión desmedida.

1. Hamlet: Centrada en la figura del príncipe de Dinamarca, explora la duda, la parálisis existencial y la venganza. Su famoso "ser o no ser" resume la angustia metafísica del hombre moderno.
2. Otelo: Un estudio sobre los celos y la manipulación. Yago, el villano, destruye a Otelo no con armas, sino con palabras y sospechas sembradas.
3. Macbeth: La obra sobre la ambición desmedida y el destino. El protagonista se convierte en un tirano tras escuchar las profecías de tres brujas, lo que le lleva a una espiral de sangre y locura.

• El sueño de una noche de verano: Una comedia donde se mezcla el mundo real con el fantástico (hadas, duendes). Explora la confusión amorosa y el juego de identidades.
• Identidad y disfraz: Es común que los personajes (especialmente mujeres) se disfracen de hombres para alcanzar sus objetivos, cuestionando las convenciones sociales.
• Dramas históricos: En obras como Ricardo III o Enrique V, Shakespeare analiza la legitimidad del poder y el peso de la corona.

El éxito de Shakespeare reside en que sus temas no caducan:

• El amor trágico: En Romeo y Julieta, el amor juvenil se enfrenta al odio ancestral de dos familias.
• La locura: Presente en El rey Lear o Hamlet, donde se confunde la locura real con la fingida como método de supervivencia o revelación de la verdad.
• La condición humana y el paso del tiempo son constantes que atraviesan toda su producción, recordándonos la brevedad de la vida.

Molière perfeccionó dos tipos de comedia:

1. De costumbres: Satiriza los comportamientos sociales de la burguesía y la aristocracia de su época (modas, pedantería).
2. De caracteres: Se centra en un arquetipo de vicio humano (la avaricia, la hipocresía) y lo lleva al extremo para mostrar su ridiculez.

• Su lema era Ridiculum dicere verum: decir la verdad a través de lo ridículo.

• Tartufo: Una crítica feroz a la hipocresía religiosa. El personaje de Tartufo finge una falsa piedad para manipular al ingenuo Orgón y quedarse con su fortuna.
• El misántropo: Alceste, el protagonista, odia la hipocresía social y la cortesía falsa, pero está enamorado de una mujer que encarna todo lo que él detesta.
• El avaro: Inspirada en la Aulularia de Plauto, retrata a Harpagón, un hombre cuya codicia extrema le hace preferir su dinero por encima de sus propios hijos.

• El quiproquo: Un malentendido donde un personaje toma a una persona o cosa por otra, generando situaciones cómicas.
• Influencia de la Commedia dell'Arte: Molière utiliza elementos físicos, persecuciones y personajes tipo derivados de la tradición italiana.
• Deus ex machina: A menudo, los conflictos de sus obras se resuelven de forma abrupta mediante la intervención de una autoridad superior (como el Rey), lo que servía para halagar al monarca Luis XIV.

Los personajes de ambos autores han pasado a ser iconos culturales. Decimos que alguien es un "Otelo" cuando es celoso, o un "Tartufo" cuando es un hipócrita.

• Sus obras siguen representándose hoy en día con adaptaciones modernas que trasladan la acción a Wall Street, zonas de guerra o institutos contemporáneos, demostrando que los conflictos humanos son inmutables.

Para analizar estos textos, debemos fijarnos en:

1. El uso de la ironía: Especialmente en Molière, para denunciar vicios sociales.
2. Las figuras retóricas: En Shakespeare, la abundancia de metáforas y elipsis que elevan el tono del drama.
3. Comparación de monólogos: Por ejemplo, comparar el aislamiento existencial de Hamlet con la frustración social de Alceste (El misántropo). Ambos se sienten fuera de lugar en su mundo, pero lo expresan de formas radicalmente distintas.