Música popular y folclore

El término folclore proviene del inglés folk (pueblo) y lore (saber o conocimiento). Se define como el conjunto de tradiciones, leyendas, música y costumbres de un pueblo. A diferencia de la música comercial, el folclore tiene unas características muy marcadas:

• Transmisión oral y anonimato: No se aprende en conservatorios, sino escuchando a los mayores. Al no existir un autor conocido, la obra pertenece a la comunidad y sufre modificaciones con el tiempo.
• Funcionalidad social: La música no se hacía por espectáculo, sino para acompañar una tarea (trabajar, dormir a un niño, celebrar una boda).
• Variantes regionales: Una misma canción puede sonar diferente en un pueblo a solo diez kilómetros de distancia, adaptándose al habla y las costumbres locales.

El folclore es un arte vivo que evoluciona con cada generación, lo que permite que una melodía de hace trescientos años siga sonando hoy con matices nuevos.

Es fundamental distinguir estos tres conceptos para entender nuestro mapa sonoro:

1. Música Culta (Clásica): Es música de autor, escrita en partituras y diseñada para ser interpretada fielmente. Requiere una formación académica rigurosa.
2. Música Popular Urbana: Es la música de consumo masivo (Pop, Rock, Trap). Tiene un autor conocido, se difunde por medios de comunicación y busca el éxito comercial.
3. Música Folclórica: Es la música de raíz. Su valor no es comercial, sino de identidad cultural y preservación de la historia de un pueblo.

En las sociedades tradicionales, la música acompañaba al ser humano desde el nacimiento hasta la muerte. Este "hilo sonoro" se divide en:

• Infancia: Las canciones de cuna (nanas) para dormir a los bebés y los juegos infantiles (canciones de comba o corro).
• Celebraciones: Cantos de boda (epitalamios) y celebraciones familiares que reforzaban los lazos del grupo.
• Religión y duelo: Los romances que contaban historias épicas o trágicas, y los cantos de duelo o rogativas para pedir lluvia o buenas cosechas.

Son los más numerosos y variados. Se dividen según qué es lo que vibra:

• Idiófonos: El propio cuerpo del instrumento suena. Ejemplos son las castañuelas, el almirez (mortero de cocina), las botellas de anís (rascadas con una cuchara) o los palos de baile.
• Membranófonos: El sonido se produce por la vibración de una piel tensa. Destacan la pandereta, el pandero cuadrado (típico de Galicia y León) y la zambomba, esencial en la Navidad.

La percusión tradicional suele marcar ritmos ternarios o de amalgama que guían el paso de los danzantes.

Estos instrumentos suelen llevar la melodía principal en las fiestas populares:

• Aerófonos (Viento): La dulzaina (Castilla y Aragón), la gaita (Galicia y Asturias) y la flauta de tres agujeros, que permite al músico tocar el tamboril con la otra mano simultáneamente.
• Cordófonos (Cuerda): La guitarra es el instrumento nacional por excelencia. En las rondallas (agrupaciones de pulso y púa), se acompaña de la bandurria y el laúd, que tienen un sonido más agudo y metálico.

El luthier tradicional o artesano utilizaba lo que ofrecía la tierra: madera de boj o nogal para las flautas, piel de cabra para los parches de los tambores y cañas de río para las lengüetas. Además, el ingenio popular convirtió objetos de labranza, como las guadañas o las cucharas, en instrumentos musicales improvisados.

Los cantos de siega y trilla son ejemplos perfectos. Se caracterizan por tener un ritmo libre (sin un pulso constante) y el uso de melismas (muchas notas para una sola sílaba), lo que les da un aire quejumbroso y melancólico. Su función principal era el alivio físico y mental durante las largas jornadas bajo el sol.

Cada profesión tenía su sonido:

• Pregones: Gritos afinados de los vendedores ambulantes para anunciar su mercancía (el afilador, el mielero).
• Cantos de mineros: Como la taranta, que refleja la dureza del trabajo en la mina.
• Llamada y respuesta: Una estructura común donde un líder canta un verso y el resto del grupo responde, manteniendo el ritmo del trabajo colectivo.

La música folclórica española es rítmicamente muy rica. A diferencia del pop, que suele ser $4/4$, aquí encontramos:

• Compases ternarios ($3/4$): Como en la jota o el vals.
• Compás de amalgama: Combinación de diferentes compases.
• Ritmo de 5/8 (Zortziko): Muy típico del País Vasco, con un ritmo cojo muy característico que se puede representar matemáticamente como $\frac{2+3}{8}$.

• La Sardana: Típica de Cataluña, se baila en círculo cerrado simbolizando la unidad del pueblo.
• Danzas de paloteo: Grupos de danzantes golpean palos rítmicamente, recordando antiguos ritos guerreros o de fertilidad de la tierra.
• Procesionales: Danzas que acompañan a los santos en las fiestas patronales, a menudo con coreografías muy complejas y ritualizadas.

• La Jota: Es el baile más extendido por toda España. Con variantes en Aragón, Navarra o Castilla, destaca por sus saltos y el uso de castañuelas.
• Seguidillas y Fandango: Bailes más elegantes y vivos que se centran en el juego de acercamiento y alejamiento entre la pareja.
• Aurresku: Danza vasca de honor, realizada por un bailarín (dantzari) como señal de respeto ante una persona o autoridad.

El flamenco no es solo folclore andaluz; es un arte complejo nacido del mestizaje de culturas (gitana, árabe, judía y cristiana).

• Elementos: El cante (la voz), el baile y el toque (la guitarra).
• Palos: Son las distintas modalidades del flamenco. Algunos son alegres como las sevillanas o las alegrías, y otros son profundos y trágicos como la soleá.

En 2010, la UNESCO declaró al flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por su valor artístico único.

Gracias a los etnomusicólogos (científicos que estudian la música de las culturas), se han realizado grabaciones de campo para que las canciones de nuestros abuelos no se pierdan. Estos archivos son tesoros que guardan la memoria sonora de España.

Hoy en día, muchos artistas mezclan la tradición con sonidos modernos:

• Folk-rock: Uso de gaitas o zanfoñas con guitarras eléctricas.
• Electrónica de raíz: Artistas que utilizan samples (muestras) de cantos antiguos sobre bases de música electrónica.
• Reinterpretación: Grupos actuales que vuelven a los instrumentos de cocina y a los ritmos tradicionales, pero con letras y temáticas del siglo XXI.

Una forma de mantener viva esta tradición es la creación de un mapa sonoro. Consiste en:

1. Investigar las fiestas y tradiciones de tu propia localidad.
2. Entrevistar a personas mayores para que canten o cuenten cómo eran las fiestas antes.
3. Digitalizar y localizar en un mapa esos sonidos para que cualquier persona en el mundo pueda escuchar la riqueza cultural de tu zona.