El drama: tragedia y comedia

El origen del drama se encuentra en el culto a Dioniso, dios del vino, la fertilidad y el éxtasis. En sus festividades, se entonaba el ditirambo, un himno coral interpretado por un coro de hombres disfrazados de sátiros (seguidores de Dioniso).

La transformación fundamental ocurrió con Tespis (siglo VI a.C.), quien tuvo la audacia de separar a un miembro del coro para que dialogara con él. Este primer integrante separado fue el hipócrita (el que responde), dando origen al concepto de actor. Así, el ritual religioso evolucionó hacia una representación dramática donde la acción sustituía a la mera narración.

El teatro era un asunto de Estado. Las Grandes Dionisias eran festivales anuales financiados por la polis. El Estado nombraba a un corego, un ciudadano rico que pagaba los gastos del coro (ensayos, vestuario) como parte de sus impuestos o "liturgias".

El teatro tenía una función pedagógica (paideia), sirviendo para reflexionar sobre la justicia, el destino y la convivencia. Por ello, el Estado incluso pagaba la entrada a los ciudadanos pobres mediante el theorikon. Al final de las representaciones, un jurado de diez ciudadanos elegía al poeta y al corego ganadores.

Los teatros griegos se construían aprovechando la falda de una colina. Sus partes principales eran:

• Orchestra: Espacio circular central donde el coro bailaba y cantaba.
• Skené: Construcción de madera (luego piedra) detrás de la orchestra que servía de decorado y camerino.
• Proskenion: Plataforma elevada frente a la skené donde actuaban los actores.
• Theatron: El graderío semicircular donde se sentaba el público.
• Maquinaria: Destacaban la mechané (grúa para elevar dioses, dando origen al término deus ex machina) y el ekkyklema (plataforma rodante para mostrar escenas interiores, generalmente cadáveres tras un crimen).

Los actores (siempre hombres) utilizaban máscaras de rasgos exagerados que permitían cambiar de personaje y proyectar la voz. También calzaban coturnos, zapatos de suela alta para ganar estatura y majestuosidad.

El coro era el elemento colectivo. Representaba a la comunidad (ancianos, mujeres, cautivas) y era dirigido por el corifeo, quien podía dialogar con los actores. La obra alternaba partes recitadas en trímetro yámbico (por los actores) y partes cantadas con acompañamiento de flauta (aulós).

Una tragedia estándar seguía este esquema:

1. Prólogo: Escena inicial que sitúa al espectador en el mito.
2. Párodos: Canto de entrada del coro a la orchestra.
3. Episodios: Escenas donde los actores desarrollan la acción dramática.
4. Estásimos: Cantos del coro que separan los episodios, donde se reflexiona sobre lo ocurrido.
5. Éxodo: Escena final de salida, que incluye la resolución y la enseñanza moral.

Según Aristóteles, la tragedia busca conmover al espectador mediante tres conceptos clave:

• Hybris: La soberbia o desmesura del héroe que desafía el orden establecido o a los dioses.
• Hamartia: El "error trágico" cometido por el héroe, no necesariamente por maldad, sino por ignorancia o destino.
• Catharsis: La purificación emocional de los espectadores, quienes, al sentir piedad y temor, liberan sus propias tensiones internas.

Esquilo es el autor de la transición entre el ritual y el drama. Su mayor aportación fue la introducción del segundo actor, lo que permitió el conflicto directo entre personajes sin depender siempre del coro. Sus obras suelen agruparse en trilogías ligadas. Su tema central es la justicia divina y el destino heredado. Su obra maestra es la Orestía (Agamenón, Las Coéforas y Las Euménides), que narra el fin de la venganza de sangre y el nacimiento de la justicia ciudadana.

Sófocles representa el culmen del género. Introdujo el tercer actor, reduciendo la importancia del coro y aumentando la complejidad del diálogo. También perfeccionó la escenografía. Sus héroes son figuras solitarias y nobles que se enfrentan a un destino cruel pero inevitable. En Edipo Rey, explora la ceguera humana frente a la verdad, mientras que en Antígona plantea el conflicto eterno entre las leyes no escritas (religión/familia) y las leyes del Estado.

Eurípides es el más "moderno" de los tres. Se caracteriza por la humanización de los mitos: sus dioses son a menudo caprichosos y sus héroes muestran debilidades humanas. Dio un protagonismo inédito a la psicología femenina y a personajes marginados como los esclavos. En Medea, analiza la psicología de una mujer despechada que llega al infanticidio, y en Las Bacantes, explora la irracionalidad del culto dionisíaco.

A diferencia de la tragedia, la comedia utilizaba un lenguaje vulgar, disfraces grotescos (con vientres y falos postizos) y situaciones fantásticas. Tenía dos partes exclusivas:

• Agón: Un debate dialéctico entre dos personajes que representan ideas opuestas.
• Parábasis: El coro se quita la máscara y se dirige directamente al público en nombre del autor para dar consejos políticos o atacar a enemigos.

Aristófanes utilizó el teatro como un arma. Criticó ferozmente la Guerra del Peloponeso, denunció la corrupción de los demagogos (como Cleón) y parodió las nuevas corrientes intelectuales. Sus obras suelen proponer una utopía cómica: una solución fantástica a un problema real de la ciudad.

• Lisístrata: Las mujeres de Grecia declaran una huelga sexual para obligar a los hombres a firmar la paz.
• Las Nubes: Una sátira contra los sofistas y Sócrates, a quien presenta erróneamente como un charlatán que enseña a convertir el argumento injusto en justo.
• Las Ranas: Un concurso literario en el Hades entre Esquilo y Eurípides para decidir quién debe volver a la vida para salvar a Atenas.

En el siglo IV a.C., surge la Comedia Nueva, cuyo máximo exponente es Menandro. Desaparece la sátira política (ahora peligrosa) y la función activa del coro, que queda reducido a interludios musicales. Los temas pasan a ser privados: enredos amorosos, problemas familiares y situaciones de la vida cotidiana. El lenguaje se vuelve más refinado y urbano.

La Comedia Nueva creó "tipos" o personajes fijos que el público reconocía de inmediato:

1. El joven enamorado (adulescens): Apasionado y a menudo en apuros económicos.
2. El padre severo (senex): Gruñón y tacaño, que se opone a los deseos de su hijo.
3. El esclavo astuto (servus currens): El verdadero motor de la trama, que ayuda al joven mediante engaños.
4. El soldado fanfarrón (miles gloriosus): Presumido y cobarde.

Menandro fue el puente fundamental entre Grecia y Occidente. Sus obras fueron adaptadas en Roma por Plauto y Terencio, quienes las tradujeron y adaptaron al gusto latino. Este modelo de "comedia de caracteres" y "comedia de enredo" es la base de todo el teatro europeo posterior, desde la Commedia dell'Arte italiana hasta Molière y Shakespeare, llegando incluso a las estructuras de las sitcoms televisivas actuales.