El arte contemporáneo y la arquitectura actual

Es el primer movimiento genuinamente estadounidense de relevancia mundial. Se divide en dos grandes corrientes:

• Action Painting (Pintura de Acción): Destaca Jackson Pollock, quien introdujo la técnica del dripping (chorreado) sobre lienzos de gran formato colocados en el suelo. El cuadro no es una imagen, sino el registro de un evento físico. El gesto y la espontaneidad son los vehículos de la energía psíquica del artista.
• Color Field Painting (Pintura de Campos de Color): Representada por Mark Rothko. Utiliza grandes superficies saturadas de color que buscan provocar una respuesta emocional o mística en el espectador, eliminando cualquier rastro de pincelada gestual.

En Europa, la abstracción toma un cariz más trágico y material.

• Pintura Matérica: Artistas como Antoni Tàpies utilizan materiales heterogéneos (arena, cuerdas, polvo de mármol, paja) para crear texturas que parecen muros erosionados o huellas del tiempo.
• Art Brut: Jean Dubuffet defiende un arte "tosco", inspirado en los dibujos infantiles y de enfermos mentales, libre de las convenciones académicas y del "buen gusto".

Como reacción al exceso emocional del expresionismo abstracto, surge una abstracción más fría y geométrica.

• Hard Edge (Borde Duro): Caracterizado por bordes definidos y colores planos.
• Frank Stella: Introduce los shaped canvases (lienzos con formas no rectangulares), donde la pintura se convierte en un objeto físico y geométrico, alejándose de cualquier significado metafórico.

El Pop Art eleva los objetos cotidianos (latas de sopa, cómics, celebridades) a la categoría de arte.

• Andy Warhol: Utiliza la serigrafía para repetir imágenes de forma industrial, cuestionando la originalidad de la obra de arte. Sus latas de sopa Campbell o retratos de Marilyn Monroe son iconos de la cultura de masas.
• Roy Lichtenstein: Traslada la estética del cómic al lienzo, ampliando los puntos de la trama de impresión (puntos Ben-Day) para ironizar sobre las emociones estandarizadas.

• Richard Hamilton: Con su collage "¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?", define las bases del pop: efímero, barato y producido en masa.
• Nouveau Réalisme: En Francia, artistas como Yves Klein exploran el vacío y la monocromía (el famoso azul IKB), mientras otros utilizan el ensamblaje de desechos como crítica al consumismo.

A finales de los 60, surge una corriente que busca una precisión fotográfica extrema. En España, Antonio López destaca por su capacidad de captar la luz y el paso del tiempo en vistas urbanas de Madrid y bodegones cotidianos, dotándolos de una dignidad casi metafísica.

• Minimalismo: Busca la máxima economía de medios. Utiliza estructuras primarias, formas geométricas simples y materiales industriales (acero, neón). La idea sobre la ejecución es fundamental.
• Arte Conceptual: Lo importante es el concepto. Joseph Kosuth en Una y tres sillas presenta una silla real, una fotografía de la silla y la definición de diccionario de "silla", cuestionando qué es lo que constituye la realidad del objeto.

El arte ocurre en el tiempo y el espacio.

• Joseph Beuys: Miembro de Fluxus, utiliza materiales simbólicos (fieltro, grasa) y realiza acciones cargadas de chamanismo y crítica social.
• Happenings: Eventos efímeros que requieren la participación del público, eliminando la barrera entre arte y vida.

Los artistas salen de las galerías para intervenir directamente en el paisaje natural.

• Robert Smithson: Su obra Spiral Jetty es una enorme espiral de rocas y tierra en el Gran Lago Salado. Estas obras están sujetas a la erosión natural y a menudo solo pueden ser conocidas a través de fotografías o vídeos.

• Arte Povera: Utiliza materiales "pobres" o humildes (tierra, madera, trapos) para atacar la comercialización del arte.
• Body Art: El cuerpo del artista es el soporte y el material. Marina Abramović explora los límites de la resistencia física y la relación con el espectador, a menudo a través del riesgo.

Se produce un retorno a la pintura figurativa y al gesto subjetivo.

• Anselm Kiefer: En Alemania, utiliza texturas densas y temas históricos cargados de simbolismo para reflexionar sobre la memoria del Holocausto y la identidad alemana.

• Louise Bourgeois: Explora el trauma y el psicoanálisis a través de sus arañas monumentales (Maman).
• Richard Serra: Trabaja con grandes planchas de acero corten que alteran la percepción del espacio y obligan al espectador a recorrer la obra.

El arte se adapta a la era digital. Bill Viola utiliza el vídeo de alta definición y la cámara lenta para explorar temas universales como el nacimiento, la muerte y la espiritualidad, creando instalaciones envolventes.

• Le Corbusier: En su etapa final, abandona el racionalismo puro por formas más escultóricas, como en la capilla de Ronchamp, donde el hormigón adquiere formas orgánicas.
• Mies van der Rohe: Lleva el funcionalismo a su máxima depuración con el Edificio Seagram en Nueva York, epítome del muro cortina de vidrio y acero.

• Frank Lloyd Wright: El Museo Guggenheim de Nueva York rompe con la estructura tradicional de plantas mediante una rampa helicoidal continua.
• Jørn Utzon: La Ópera de Sídney se convierte en un icono escultórico que desafía las leyes constructivas de la época con sus cubiertas en forma de concha.

Se caracteriza por el uso del hormigón visto (béton brut), mostrando las marcas del encofrado. Busca una honestidad estructural y una monumentalidad que a menudo resulta agresiva pero honesta en su función social.

Frente al "Menos es más" de Mies, Robert Venturi proclama "Less is a bore" (Menos es aburrido). Se recupera el ornamento, la columna clásica y el color, a menudo de forma irónica o descontextualizada.

• High-Tech: Arquitectos como Norman Foster o Richard Rogers muestran los elementos tecnológicos y estructurales (tuberías, ascensores) al exterior de los edificios (Centro Pompidou).
• Deconstructivismo: Liderado por Frank Gehry (Museo Guggenheim Bilbao) y Zaha Hadid, rompe con la geometría euclidiana, creando edificios fragmentados, con curvas imposibles y volúmenes caóticos.

En el siglo XXI, el foco se desplaza hacia la eficiencia energética, el uso de materiales biocompatibles y la integración de la naturaleza en la ciudad (bosques verticales), respondiendo a la crisis climática.

España ha vivido una "edad de oro" arquitectónica:

1. Rafael Moneo: Representa la sobriedad y el respeto al contexto histórico (Museo Nacional de Arte Romano de Mérida).
2. Santiago Calatrava: Combina ingeniería y organicismo, creando estructuras blancas que recuerdan esqueletos de animales.
3. Rehabilitación: Destacan proyectos que transforman antiguos edificios industriales en centros culturales, como el CaixaForum Madrid (Herzog & de Meuron).