El Renacimiento: Quattrocento y Cinquecento

El Renacimiento no es solo un estilo artístico, sino la manifestación visual del Humanismo. Este movimiento intelectual situó al ser humano como centro del universo y medida de todas las cosas. Los artistas y pensadores volvieron su mirada hacia la Antigüedad Clásica (Grecia y Roma), no para copiarla servilmente, sino para recuperar sus valores éticos y estéticos.

• El artista como intelectual: A diferencia del artesano medieval, el artista renacentista es un humanista que domina las matemáticas, la geometría y la literatura.
• Recuperación de los órdenes: Se reintroducen el dórico, jónico y corintio, buscando la armonía basada en la razón.

El auge del comercio y la banca permitió la aparición de una burguesía mercantil poderosa. Estos nuevos ricos utilizaron el arte como instrumento de prestigio social y político.

• Los Médici en Florencia: Esta familia fue el motor del Quattrocento, protegiendo a figuras como Donatello o Botticelli.
• El Papado en Roma: Durante el Cinquecento, los Papas (como Julio II) se convirtieron en los principales mecenas, buscando convertir a Roma en la nueva capital del arte cristiano universal.

El arte renacentista se basa en leyes matemáticas. La belleza se define como la armonía entre las partes, regida por la proporción.

1. Perspectiva lineal: Método geométrico para representar el espacio tridimensional en una superficie plana.
2. Sección áurea: Aplicación de proporciones matemáticas consideradas perfectas por la naturaleza.
3. Tratadística: Figuras como Leon Battista Alberti recuperaron los textos de Vitruvio, estableciendo las bases teóricas de la arquitectura moderna.

Filippo Brunelleschi es el padre de la arquitectura renacentista. Su enfoque se basó en la racionalidad y la modulación del espacio a partir de una unidad de medida.

• Cúpula de Santa María del Fiore: Una proeza técnica que solucionó el cierre del crucero de la catedral de Florencia mediante un sistema de doble casco.
• Hospital de los Inocentes: Ejemplo de pureza clásica con su arquería de medio punto y el uso de la proporción matemática simple.

Si Brunelleschi fue el constructor, Alberti fue el gran teórico. Sus obras reflejan una profunda preocupación por la fachada como elemento autónomo y decorativo.

• Palacio Rucellai: Introduce la superposición de órdenes clásicos en una fachada civil.
• Santa Maria Novella: Logra armonizar una estructura gótica previa mediante un diseño basado en cuadrados y el uso de volutas laterales.

En el siglo XVI, el centro artístico se desplaza a Roma. Bramante busca la monumentalidad y la pureza geométrica.

• San Pietro in Montorio: Un pequeño templo circular (tholos) que encarna el ideal de perfección del Cinquecento.
• Basílica de San Pedro: Bramante diseñó originalmente una planta de cruz griega (centralizada), símbolo de la perfección divina, aunque posteriormente fue modificada.

Andrea Palladio trabajó principalmente en el Véneto. Su estilo es elegante y estrictamente proporcional, influyendo siglos después en toda Europa (palladianismo).

• Villas Palladianas: Como la Villa Capra (La Rotonda), donde aplica la estructura de un templo clásico a una vivienda.
• Manierismo: Hacia mediados del XVI, arquitectos como Giulio Romano empezaron a romper las reglas clásicas, utilizando elementos de forma arbitraria o "caprichosa" para generar tensión.

Donatello fue el escultor más influyente del siglo XV, capaz de trabajar todos los materiales y registros emocionales.

• David de bronce: El primer desnudo integral en bulto redondo desde la Antigüedad. Representa la belleza adolescente y la victoria de la inteligencia sobre la fuerza.
• Stiacciato: Técnica de relieve muy plano que utiliza leyes de perspectiva para sugerir gran profundidad.

Lorenzo Ghiberti destaca por su maestría en la fundición del bronce. Tras ganar el concurso para el Baptisterio de Florencia, realizó las famosas Puertas del Paraíso, donde combina la técnica del relieve con una profunda narrativa espacial.

Miguel Ángel Buonarroti consideraba la escultura como el arte de "quitar lo que sobra" del bloque de mármol.

• El David: Símbolo de la República de Florencia, muestra el momento previo a la acción con una anatomía perfecta y una mirada intensa (terribilità).
• Non finito: En sus obras tardías (como las Tumbas Mediceas), dejaba partes sin pulir para acentuar la expresión y la lucha de la forma por salir de la materia.

Masaccio es el punto de ruptura con el gótico internacional.

• La Trinidad: Primera obra que aplica de forma estricta la perspectiva lineal, creando un nicho arquitectónico creíble en la pared.
• Capilla Brancacci: Sus figuras tienen un peso real, volumen y una iluminación naturalista que define las formas.

• Fra Angelico: Combina la modernidad de la perspectiva con una espiritualidad mística y un uso vibrante del color.
• Piero della Francesca: Representa la vertiente más matemática. Sus obras, como La Leyenda de la Verdadera Cruz, destacan por la geometrización absoluta de las figuras y una luz diáfana.

Sandro Botticelli representa la vertiente lírica y culta de Florencia.

• Temática: Recupera los mitos paganos (El Nacimiento de Venus, La Primavera) bajo una lectura cristiana neoplatónica.
• Estilo: Predominio de la línea curva y elegante sobre el volumen, creando figuras etéreas y melancólicas.

Leonardo representa el ideal del hombre polímata. Sus grandes aportaciones son:

1. Sfumato: Técnica que difumina los contornos para crear una atmósfera neblinosa, eliminando la rigidez de la línea.
2. Perspectiva aérea: Representación de la atmósfera y la degradación de colores según la distancia.
3. Composición: Uso de estructuras piramidales que dan estabilidad y equilibrio a la escena (La Virgen de las Rocas).

Rafael es el maestro del equilibrio y la claridad.

• La Escuela de Atenas: Un compendio de la filosofía clásica dentro de una arquitectura monumental inspirada en Bramante.
• Madonnas: Logró una síntesis de belleza idealizada y humanidad cercana que se convirtió en el estándar de belleza occidental durante siglos.

Aunque se consideraba escultor, sus frescos en la Capilla Sixtina son la cumbre de la pintura.

• Bóveda: Un despliegue de anatomías poderosas y dinámicas.
• El Juicio Final: Obra que marca el inicio del Manierismo, con figuras retorcidas, colores irreales y una visión angustiada del destino humano.

A diferencia de los florentinos (basados en el dibujo), los venecianos se basan en el color y la luz.

• Tiziano: Maestro del óleo sobre lienzo, desarrolló una técnica de pincelada suelta. Sus obras, como la Venus de Urbino, destacan por la riqueza cromática y la sensualidad de las texturas.

• Giorgione: Introdujo el paisaje como protagonista emocional de la obra (La Tempestad).
• Tintoretto: Representa el Manierismo veneciano con composiciones diagonales, escorzos violentos y una luz dramática que anticipa el Barroco.

Hacia 1520, el equilibrio del Renacimiento entra en crisis. El Manierismo es un arte subjetivo y artificioso.

• Características: Figuras serpentinatas (en forma de S), proporciones alargadas, colores ácidos y falta de un centro compositivo claro. Es un arte para intelectuales que rompe con la naturaleza para seguir la "maniera" (estilo) del maestro.