El Neoclasicismo y Goya

El Neoclasicismo no es solo un estilo artístico, es la plasmación visual de la Ilustración o "Siglo de las Luces". Este movimiento intelectual defendía que la razón humana era la única herramienta capaz de disipar las tinieblas de la ignorancia y la superstición.

• Reacción contra el Barroco y Rococó: Se rechaza la ornamentación excesiva, considerada frívola y propia de una aristocracia decadente.
• Predominio de la razón: El arte debe ser útil, educativo y moralizante. La belleza se identifica con la verdad y la virtud, no con el simple placer visual.

A mediados del siglo XVIII, el interés por el pasado clásico dejó de ser puramente literario para volverse físico gracias a la arqueología.

1. Excavaciones en Pompeya y Herculano (1738-1748): El hallazgo de estas ciudades romanas sepultadas por el Vesubio causó una sensación mundial, revelando cómo era realmente la vida y el arte antiguo.
2. Johann Joachim Winckelmann: Considerado el padre de la Historia del Arte, publicó "Historia del Arte de la Antigüedad", donde definía el ideal griego como una "noble sencillez y serena grandeza".
3. El Grand Tour: Los jóvenes aristócratas y artistas viajaban a Italia para completar su formación, convirtiendo a Roma en el epicentro cultural de Europa.

Durante el Neoclasicismo, el arte pasa a estar bajo el control del Estado a través de las Reales Academias de Bellas Artes. Estas instituciones dictaban las normas de lo que era "buen gusto":

• Jerarquía de géneros: La pintura de historia (temas bíblicos, mitológicos o heroicos) ocupaba el lugar más alto, mientras que el bodegón o el paisaje eran considerados menores.
• Dibujo sobre color: El dibujo representa la parte intelectual y racional, mientras que el color se asocia a la emoción y lo sensible. Por tanto, el dibujo debe ser impecable y predominante.

La arquitectura neoclásica busca la monumentalidad y la perdurabilidad. Los edificios deben transmitir una sensación de estabilidad y orden civilizatorio.

• Elementos clásicos: Se recuperan los órdenes griegos (dórico, jónico y corintio), frontones triangulares, cúpulas y arcos de triunfo.
• Geometría pura: Los arquitectos prefieren volúmenes claros (cubos, esferas, cilindros) y plantas centralizadas o basilicales sin complicaciones espaciales.
• Sobriedad decorativa: Se elimina cualquier adorno que no sea estructural. La belleza reside en la proporción matemática y la pureza de las líneas.

• Francia: Jacques-Germain Soufflot diseñó el Panteón de París, fusionando la ligereza gótica con la pureza clásica. Destacan también los arquitectos "visionarios" como Boullée y Ledoux, cuyos proyectos utópicos de dimensiones colosales nunca llegaron a construirse del todo, pero influyeron en la modernidad.
• Inglaterra: Predominó el estilo Palladiano, inspirado en el arquitecto renacentista Andrea Palladio. Se aplicó especialmente en las grandes mansiones rurales y en el urbanismo de ciudades como Bath.

En España, el Neoclasicismo fue impulsado por los Borbones para modernizar la imagen del país.

• Ventura Rodríguez: Representa la transición, mezclando el dinamismo barroco con el nuevo orden clásico.
• Sabatini: Autor de la Puerta de Alcalá, un arco de triunfo que simboliza el Madrid de Carlos III.
• Juan de Villanueva: Es el arquitecto más puro del neoclasicismo español. Su obra maestra es el Museo del Prado, concebido originalmente como Gabinete de Ciencias Naturales. Destaca por su organización funcional y el uso magistral de la piedra y el ladrillo.

La escultura neoclásica busca imitar la perfección de la estatuaria griega.

• Material: El mármol blanco de Carrara es el material predilecto, buscando una pureza que se creía (erróneamente) propia de los antiguos, quienes en realidad policromaban sus obras.
• Autores: Antonio Canova es el máximo exponente, autor de Eros y Psique, donde combina la elegancia con un acabado pulido casi carnal. Thorvaldsen, por otro lado, representa un clasicismo más rígido y austero.

David es el pintor de la Revolución Francesa y de Napoleón. Su arte es un manifiesto ético.

• El Juramento de los Horacios: Establece el canon neoclásico: composición equilibrada, luz clara y un tema que exalta el sacrificio por la patria sobre los sentimientos personales.
• La muerte de Marat: Convierte a un líder revolucionario asesinado en un mártir laico, utilizando una composición que recuerda a la Piedad de Miguel Ángel.

Discípulo de David, Jean-Auguste-Dominique Ingres defendió la supremacía de la línea. Aunque clasicista en la forma, introdujo temas exóticos (La Gran Odalisca) que preludian el Romanticismo, deformando a veces la anatomía para lograr una mayor belleza lineal.

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) comenzó su formación en Zaragoza y, tras un viaje a Italia pagado de su bolsillo, se instaló en Madrid. Su ascenso fue gracias a la protección de los hermanos Bayeu y su trabajo en la Real Fábrica de Tapices.

Eran modelos pintados al óleo para ser tejidos. En ellos, Goya muestra la vida cotidiana de Madrid:

• Temática: Escenas de "majismo", juegos populares (La gallina ciega) y diversiones al aire libre (El quitasol).
• Estilo: Colores vivos, pincelada suelta y una luz vibrante que todavía tiene ecos del Rococó, pero con una observación de la realidad mucho más aguda.

Al ser nombrado Pintor de Cámara, Goya retrató a la familia de Carlos IV.

• La familia de Carlos IV: Es un homenaje explícito a Las Meninas de Velázquez. Goya se autorretrata ante el lienzo, pero destaca por su implacable realismo psicológico: no idealiza a los monarcas, captando su humanidad, sus debilidades y, para algunos críticos, incluso cierta vacuidad.

En 1792, una grave enfermedad dejó a Goya completamente sordo. Este aislamiento físico provocó un giro radical en su arte. Se volvió más introspectivo, crítico y libre, dejando de pintar solo lo que le pedían para pintar "lo que le dictaba su capricho".

Goya es uno de los mejores grabadores de la historia. Utilizó el aguafuerte y la aguatinta para expresar su visión del mundo:

1. Los Caprichos: Crítica feroz a la superstición, los vicios de la nobleza y la corrupción del clero. “El sueño de la razón produce monstruos” es la lámina que mejor resume esta etapa.
2. Los Desastres de la Guerra: Muestra la crueldad humana sin heroísmo, centrándose en el sufrimiento de las víctimas anónimas.
3. Los Disparates: Escenas oníricas y absurdas difíciles de interpretar.

La Maja Desnuda y La Maja Vestida son obras fundamentales. La desnuda es el primer desnudo integral de la pintura española que no es una diosa mitológica, sino una mujer real que mira directamente al espectador, lo que le valió problemas con la Inquisición.

Pintados en 1814, tras la expulsión de los franceses, estos cuadros revolucionan la pintura de historia.

• El 3 de mayo en Madrid (Los fusilamientos): No exalta al general victorioso, sino el sacrificio del pueblo. El hombre de la camisa blanca, con los brazos en cruz, se convierte en un símbolo universal contra la opresión. La luz de la linterna y el dramatismo de los rostros anticipan el Expresionismo.

Retirado en su casa de campo, Goya pintó directamente sobre las paredes una serie de murales oscuros y aterradores.

• Temas: La vejez, la muerte, la violencia y la locura (Saturno devorando a su hijo, El aquelarre).
• Técnica: Pinceladas gruesas, casi violentas, y una paleta reducida a negros, ocres y tierras. Es la expresión máxima de su pesimismo existencial.

Goya terminó sus días en Francia huyendo del absolutismo de Fernando VII. En sus últimos años, recuperó cierta luminosidad (La lechera de Burdeos), utilizando una técnica de manchas que influyó directamente en el Impresionismo. Su capacidad para pintar lo invisible —el miedo, el pensamiento, la locura— lo convierte en el primer artista verdaderamente moderno.