El Renacimiento musical

El Renacimiento supone el paso del Teocentrismo medieval (Dios como centro de todo) al Antropocentrismo, donde el ser humano es la medida de todas las cosas. Esta corriente se denomina Humanismo.

• Mecenazgo: Los reyes y nobles (como los Médici en Italia) competían por tener a los mejores artistas en sus cortes para ganar prestigio.
• Imprenta musical: Inventada por Ottaviano Petrucci en 1501, permitió que las partituras circularan por toda Europa, haciendo que la música dejara de ser un privilegio exclusivo de unos pocos.
• Mentalidad: Se busca la belleza, el equilibrio y la claridad, inspirándose en los ideales de la Grecia y Roma clásicas.

A diferencia de la Edad Media, donde las voces a menudo sonaban independientes y algo "huecas", el Renacimiento busca una sonoridad llena y dulce.

1. Polifonía imitativa: Una voz comienza una melodía y las demás la imitan poco después, creando un tejido entrelazado.
2. Homofonía: Todas las voces se mueven al mismo ritmo, creando bloques de acordes donde el texto se entiende con claridad.
3. Intervalos de tercera: Se empieza a utilizar la tercera mayor como intervalo consonante, lo que da a la música ese sonido "dulce" y estable que asociamos hoy con el modo mayor.

En esta época aparece la figura del compositor con nombre propio. Ya no son anónimos como en el Románico; ahora son artistas reconocidos.

• Maestros de capilla: Eran los directores musicales de las catedrales, responsables de componer, enseñar a los niños del coro y dirigir las ceremonias.
• Músicos de corte: Trabajaban para la nobleza, amenizando banquetes, bailes y actos políticos.

Tras la reforma de Lutero, la Iglesia Católica se reunió en el Concilio de Trento. Aquí se decidió que la música debía ser más sobria:

• Se prohibió el uso de melodías profanas dentro de la iglesia.
• Se exigió la claridad del texto: la polifonía no debía impedir que los fieles entendieran las palabras sagradas.
• Formas principales: La Misa (larga, basada en las partes del rito) y el Motete (pieza breve sobre textos bíblicos).

Martín Lutero creía que el pueblo debía participar activamente en el canto. Por ello:

• Sustituyó el latín por la lengua vernácula (el idioma del pueblo, como el alemán).
• Creó el Coral luterano: una melodía sencilla, a cuatro voces y ritmo pausado, diseñada para que toda la congregación pudiera cantarla.

• Giovanni Pierluigi da Palestrina: El modelo de perfección y equilibrio de la Iglesia Católica. Su obra más famosa es la Misa del Papa Marcello.
• Orlando di Lasso: Un compositor cosmopolita que dominó todos los estilos europeos.
• Tomás Luis de Victoria: El mayor genio español, cuya música destaca por una profunda carga emocional y mística.

Es la forma más importante del Renacimiento. Se trata de una pieza polifónica para varias voces sobre poemas de alta calidad.

• Madrigalismos: Son efectos descriptivos donde la música imita el significado de las palabras (por ejemplo, una melodía ascendente cuando el texto dice "subir al cielo").
• Claudio Monteverdi: Fue el gran maestro del madrigal, sirviendo de puente hacia el periodo Barroco.

Cada país desarrolló su propio estilo:

• Francia: La Chanson, de carácter descriptivo y rítmico.
• España: Destacan el Villancico (que no era necesariamente de Navidad, sino una canción de "villanos" o campesinos con estribillo y coplas) y la Ensalada (una mezcla de diferentes idiomas, estilos y temas en una misma pieza).

Es una de las fuentes más importantes de la música española. Recopila las canciones que se escuchaban en la corte de los Reyes Católicos.

• Juan del Encina: El compositor más destacado de este cancionero, conocido por sus villancicos de estructura clara y ritmo marcado.

Los instrumentos se fabricaban en "familias" o consorts (diferentes tamaños del mismo instrumento para cubrir todas las tesituras: soprano, contralto, tenor y bajo).

• Viento: Flautas de pico, cromornos, sacabuches (antepasado del trombón).
• Cuerda: La viola da gamba (se apoya en las piernas), el laúd (muy popular en las casas) y la vihuela (típica de España).

1. Variaciones o Diferencias: El compositor elige un tema sencillo y lo repite añadiendo adornos y cambios cada vez más complejos.
2. Tocata y Preludio: Piezas de carácter improvisado para demostrar la agilidad del músico.
3. Ricercare: El equivalente instrumental al motete, basado en la imitación.

La danza era una actividad social fundamental para la nobleza. Se solían agrupar en parejas de contraste:

• Pavana: Danza binaria, lenta y majestuosa.
• Gallarda: Danza ternaria, rápida y con saltos. Los tratados de danza (como el de Thoinot Arbeau) nos han permitido saber exactamente cómo se bailaba en las cortes.

Se distingue por una sobriedad expresiva y una gran intensidad religiosa.

• Escuela Andaluza: Con Cristóbal de Morales (famoso en toda Europa) y Francisco Guerrero (conocido por sus melodías bellas y luminosas).
• Escuela Castellana: Liderada por Tomás Luis de Victoria.

Mientras en Europa triunfaba el laúd, en España el instrumento rey era la Vihuela (con cuerpo en forma de ocho, como la guitarra actual, pero con seis o siete órdenes de cuerdas dobles).

• Luis de Narváez: Famoso por sus "diferencias".
• Tablatura: Sistema de notación que usaban los vihuelistas; en lugar de notas en un pentagrama, usaban números o letras que indicaban qué traste y qué cuerda debían pisar.

El órgano alcanzó una importancia enorme en las catedrales españolas.

• Antonio de Cabezón: El músico ciego de la corte de Felipe II, considerado uno de los mejores organistas de la historia.
• Tiento: La forma organística española por excelencia, similar al ricercare italiano, donde se explotan las posibilidades polifónicas del instrumento.