Folclore y músicas del mundo

La música folclórica o tradicional es el conjunto de expresiones sonoras que emanan directamente de la cultura de un pueblo. A diferencia de la música culta o académica, que se basa en partituras y autores conocidos, el folclore se define por tres pilares fundamentales:

1. Transmisión oral y anonimato: Estas melodías se transmiten de generación en generación (de padres a hijos) sin necesidad de escritura musical. Con el tiempo, el nombre del autor original se pierde, convirtiéndose en una obra de la colectividad.
2. Funcionalidad social: La música no existe por puro entretenimiento estético, sino que cumple una función. Acompaña al trabajo (cantos de siembra), a los rituales religiosos, a las celebraciones (bodas) o al ciclo de la vida.
3. Evolución y variantes: Al no estar escrita, la música cambia. Cada intérprete añade o quita elementos, creando variantes regionales de una misma canción. El folclore es un arte vivo que se transforma con la sociedad.

La etnomusicología es la ciencia que estudia la música en su contexto cultural y social. A diferencia de la musicología tradicional, no solo analiza la partitura, sino el comportamiento humano relacionado con el sonido.

• Trabajo de campo: El investigador se desplaza al lugar de origen, realiza grabaciones, entrevistas y convive con la comunidad para entender el significado de sus ritmos.
• Patrimonio inmaterial: La UNESCO protege estas expresiones porque son frágiles. La etnomusicología ayuda a documentar lenguas y ritos en peligro de extinción.

La clasificación de los instrumentos tradicionales suele seguir el sistema de Hornbostel-Sachs, basándose en qué material produce el sonido:

• Idiófonos: El propio cuerpo del instrumento vibra (castañuelas, triángulos, botellas de anís).
• Membranófonos: Vibración de una piel tensa (tambores, panderos, zambombas).
• Aerófonos: El sonido se produce por una columna de aire (flautas de caña, gaitas, dulzainas).
• Cordófonos: Cuerdas en tensión (guitarras, rabeles, salterios).

Muchos de estos instrumentos se construyen de forma artesanal utilizando materiales del entorno, como madera, cañas, pieles de cabra o incluso caparazones de animales.

El norte de España (Galicia, Asturias, Cantabria y País Vasco) comparte una herencia atlántica donde destaca la gaita como instrumento rey.

• Galicia y Asturias: El alalá es una de las formas más antiguas, un canto melismático y pausado. Las danzas suelen ser colectivas, como la muñeira.
• Percusión: Es fundamental el uso del pandero cuadrado y las panderetas, que suelen acompañar cantos de mujeres denominadas pandereiteiras.

En el interior y la costa este, el folclore se vuelve más rítmico y utiliza instrumentos de viento madera de doble lengüeta.

• La Jota: Es el género más extendido por España (Aragón, Castilla, Navarra). Se baila en grupos de parejas y utiliza castañuelas.
• Dulzaina y Tamboril: Pareja instrumental clásica en las fiestas castellanas y valencianas.
• Cantos de labor: En la Meseta son típicos los cantos de siega y de trilla, con ritmos libres que ayudaban a sobrellevar la dureza del trabajo en el campo.

El flamenco es el resultado de un mestizaje cultural único entre la cultura gitana, árabe, judía y cristiana en Andalucía. En 2010 fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

• Los Palos: Son las distintas modalidades del flamenco (soleá, bulería, alegría, fandango). Se diferencian por su compás (ritmo) y su temática.
• Elementos: Se basa en el cante (la voz), el toque (la guitarra flamenca) y el baile. La percusión se realiza con las palmas, el zapateado y, modernamente, el cajón flamenco.

Canarias actúa como un puente entre Europa, África y América. Su música es alegre y utiliza el timple, un cordófono pequeño de cinco cuerdas esencial en su identidad. Los géneros más destacados son las isas, las folías y las malagueñas canarias.

El este europeo destaca por su complejidad rítmica y vocal.

• Ritmos Aksak: Son ritmos "cojos" o irregulares, como el $7/8$ o el $9/8$, muy comunes en Bulgaria y Grecia.
• Polifonía Búlgara: Coros femeninos que utilizan intervalos de segunda (disonancias) que crean una sonoridad penetrante y mágica.
• Klezmer: Música tradicional de los judíos ashkenazíes, caracterizada por el uso del clarinete y el violín con giros melódicos que imitan la voz humana.

Engloba regiones como Irlanda, Escocia, Bretaña y Galicia.

• Danzas: Los reels (rápidos en $4/4$) y los jigs (saltarines en $6/8$).
• Instrumentación: El violín (fiddle), el tin whistle (flauta metálica) y el bodhrán (tambor de marco irlandés). El concepto de "música celta" es hoy una etiqueta moderna que une estas tradiciones bajo festivales internacionales.

La música árabe se basa en el sistema del Maqam, una organización melódica que utiliza microtonos (distancias menores al semitono).

• Instrumentos: El Oud (laúd árabe) y el Qanun (cítara de mesa).
• Influencia: La música andalusí dejó una huella imborrable en el sur de Europa, influyendo en la ornamentación melódica y el uso de ciertos instrumentos de cuerda.

En África, la música es inseparable de la vida comunitaria y el movimiento.

• Polirritmia: Superposición de diferentes ritmos al mismo tiempo. Mientras un tambor marca un pulso binario, otro puede estar haciendo uno ternario.
• Llamada-respuesta: Un líder canta una frase y el grupo responde, una estructura que luego heredaría el Blues.
• Kora: Un arpa-laúd de 21 cuerdas tocada por los griots (narradores de historias).

La música clásica india es altamente espiritual y compleja.

• Raga: Es el marco melódico. No es solo una escala, sino una serie de reglas para improvisar según la hora del día o el sentimiento.
• Tala: Es el ciclo rítmico, que puede ser muy largo y complejo.
• Instrumentos: El Sitar (cuerda) y la Tabla (pareja de tambores de mano).

Se caracteriza por el uso de la escala pentatónica (de 5 notas).

• China: Uso de la Pipa (laúd en forma de pera) y la importancia de la Ópera de Pekín, donde la música se une a las acrobacias y el maquillaje simbólico.
• Japón: Destaca el Koto (cítara larga) y el Shakuhachi (flauta de bambú). La música japonesa valora mucho el silencio y la contención.

En los Andes (Perú, Bolivia, Ecuador), la música mantiene una fuerte conexión con la naturaleza.

• Aerófonos: La Quena (flauta de caña) y los Sikus o Zampoñas (flautas de pan).
• Charango: Pequeña guitarra inspirada en la vihuela española, originalmente fabricada con el caparazón del armadillo.

Fruto del sincretismo entre los ritmos de los esclavos africanos y la armonía europea.

• La Clave: Es el patrón rítmico básico (2-3 o 3-2) que sostiene toda la estructura de la Salsa y el Son Cubano.
• Samba: El ritmo nacional de Brasil, con gran importancia de la percusión (surdos, tamborims).

Nacido de los espirituales negros y las work songs (cantos de trabajo) en las plantaciones de algodón.

• Blues: Utiliza la "nota blue" (tercera y séptima rebajadas) y una estructura de 12 compases.
• Jazz: Evolucionó en Nueva Orleans mezclando bandas de metales, ragtime y blues, dando prioridad a la improvisación.

El término World Music surgió en los años 80 como una etiqueta comercial para agrupar músicas no occidentales. Hoy en día, la fusión es la norma: músicos de diferentes culturas colaboran mezclando, por ejemplo, flamenco con jazz o música africana con electrónica.

La tecnología ha permitido la aparición de la Folktrónica, donde se utilizan samples (muestras) de grabaciones antiguas de abuelos cantando en el campo sobre bases de sintetizadores y ritmos digitales. Esto permite que el folclore llegue a las pistas de baile y a las nuevas generaciones.

Es fundamental distinguir entre apreciación cultural (colaboración y respeto) y apropiación cultural (usar elementos de una cultura minoritaria para beneficio económico sin entender su significado ni dar crédito). El respeto a los derechos de autor de las comunidades tradicionales es uno de los grandes debates actuales en la industria musical global.