La música en el cine y publicidad

Aunque solemos llamarlo "cine mudo", las proyecciones nunca fueron silenciosas. En los inicios del cinematógrafo, la música servía para enmascarar el ruido del proyector y para aportar una capa emocional a las imágenes en blanco y negro.

• El piano y el órgano: Eran los instrumentos estándar en las salas. Los pianistas improvisaban siguiendo una "guía de situaciones" (música de persecución, de amor, de misterio).
• El sistema Vitaphone: Fue la tecnología que permitió sincronizar el sonido grabado en discos con la imagen.
• El cantor de jazz (1927): Esta película marcó el fin de la era muda. Fue el primer largometraje con diálogos y canciones sincronizadas, cambiando la industria para siempre.

Durante las décadas de 1930 y 1940, el cine adoptó el sinfonismo romántico. Los compositores, muchos de ellos inmigrantes europeos con formación clásica, trasladaron el lenguaje de la ópera y los poemas sinfónicos a la pantalla.

• Max Steiner y Erich Korngold: Considerados los padres de la música de cine. Steiner compuso la icónica banda sonora de King Kong (1933).
• Mickeymousing: Una técnica técnica donde la música imita físicamente cada movimiento de los personajes en pantalla (muy común en dibujos animados).
• La orquesta: Se estableció como el estándar narrativo, utilizando grandes secciones de cuerda y metales para maximizar el drama.

A partir de los años 50, el lenguaje musical se diversificó, alejándose del estilo puramente orquestal.

• Bernard Herrmann: Rompió moldes con Psicosis, usando solo instrumentos de cuerda para crear un sonido cortante y tenso, definiendo el suspense moderno.
• Jazz y Pop: Películas como El graduado empezaron a usar canciones populares en lugar de música orquestal original.
• Ennio Morricone: Revolucionó el Spaghetti Western introduciendo sonidos inusuales: silbidos, disparos, latigazos y la armónica.
• Minimalismo y electrónica: Compositores como Philip Glass o Vangelis (Blade Runner) introdujeron sintetizadores, creando atmósferas hipnóticas y futuristas.

La música no es un mero adorno; cumple misiones específicas dentro del relato:

1. Ambientación: Nos sitúa en una época (música medieval para castillos) o en un lugar geográfico (instrumentos étnicos).
2. Subrayado emocional: Nos indica si debemos sentir miedo, alegría o tristeza, incluso si el actor mantiene una expresión neutra.
3. Continuidad: Ayuda a unir escenas que visualmente son muy diferentes, sirviendo como un "pegamento" sonoro.
4. Anticipación: Nos avisa de que algo va a ocurrir (como el famoso motivo de Tiburón).

Es fundamental distinguir de dónde proviene el sonido en relación con la historia:

El concepto de leitmotiv tiene un origen wagneriano (de las óperas de Richard Wagner). Es un tema musical corto que se asocia directamente con un personaje, un objeto o una idea abstracta.

• John Williams: Es el maestro moderno del leitmotiv. En Star Wars, personajes como Darth Vader o Luke Skywalker tienen sus propios temas que aparecen y se transforman según evoluciona la trama.

Crear la música de una película es un proceso técnico y artístico complejo:

1. Spotting session: El director y el compositor ven la película juntos y deciden dónde entra y sale la música (los cues).
2. Composición y orquestación: Se escriben las melodías y se decide qué instrumentos las tocarán.
3. Grabación: Se realiza en estudios especializados con músicos de sesión y técnicos de sonido.
4. Mezcla: Se ajustan los volúmenes para que la música no tape los diálogos ni los efectos especiales.

El término B.S.O. (o Soundtrack) engloba todo lo que oímos:

• Score: La música original compuesta específicamente para la película.
• Soundtrack: A menudo se refiere a la colección de canciones preexistentes insertadas en el filme.
• Efectos de sala (Foley): Sonidos cotidianos (pasos, ropa rozando, cristales rotos) grabados en estudio para dar realismo.
• Diseño sonoro: La creación de sonidos inexistentes (el rugido de un dinosaurio o el motor de una nave).

Hoy en día, la tecnología permite a los compositores trabajar desde estudios domésticos:

• DAW (Digital Audio Workstation): Programas como Logic Pro o Cubase donde se graba y organiza el audio.
• Samples: Muestras de audio reales de instrumentos que permiten simular una orquesta completa usando un teclado.
• Código de tiempo (Timecode): Un sistema de sincronización numérica que asegura que cada nota musical caiga exactamente en el fotograma adecuado.

En publicidad, el objetivo principal es la memorización y la persuasión.

• Jingle: Una canción corta y pegadiza creada específicamente para una marca que incluye el eslogan.
• Música de librería (Stock): Música genérica comprada en catálogos para ahorrar costes.
• Cover: Una versión nueva de una canción famosa para evitar pagar los derechos de la grabación original.
• Música preexistente: Uso de un éxito actual para aprovechar su fama y atraer al público joven.

La música publicitaria no es azarosa; busca influir en el comportamiento del consumidor:

• Segmentación (Target): Si el anuncio es de coches de lujo, se usará música clásica o jazz; si es de zapatillas, se usará trap o electrónica.
• El silencio: Se utiliza como un recurso de alto impacto para captar la atención tras un bloque de ruido.
• Ritmo: Un ritmo rápido invita a la acción y la compra impulsiva, mientras que uno lento invita a la calma y el confort.

Al igual que una marca tiene un logo visual, tiene un Audiobranding.

• Logotipo sonoro: Una sucesión breve de notas que identifican a la marca (ejemplo: el sonido de Intel o el de Netflix al empezar).
• Paisaje sonoro corporativo: El ambiente sonoro que escuchamos al entrar en una tienda específica, diseñado para que nos sintamos cómodos y permanezcamos más tiempo.

Para entender cómo funciona una escena, debemos analizar la relación imagen-sonido. A veces hay una convergencia (la música va a favor de la imagen) y otras una anomia (música alegre en una escena violenta para crear ironía o distanciamiento).

Toda música está protegida por leyes de propiedad intelectual.

• SGAE: En España, es la entidad principal que gestiona los derechos de autor.
• Copyright vs. Creative Commons: Mientras el copyright prohíbe el uso sin permiso, las licencias Creative Commons permiten ciertos usos gratuitos bajo condiciones específicas.
• Plagio: Se considera plagio cuando se copia una parte sustancial de una obra ajena sin autorización.

La narrativa sonora sigue evolucionando en la era digital:

• Videojuegos: La música es interactiva; cambia en tiempo real según las acciones del jugador (si entras en combate, la música se vuelve épica automáticamente).
• Redes Sociales (TikTok/Reels): La música se convierte en el motor del contenido, donde fragmentos de 15 segundos determinan la viralidad de un producto.
• Streaming: Las series actuales utilizan una calidad de producción sonora idéntica a la del cine, permitiendo narrativas musicales mucho más extensas y complejas.