El teatro anterior a 1939

Benavente supuso una reacción contra la grandilocuencia y el sentimentalismo exagerado. Su propuesta se basaba en el realismo burgués, caracterizado por:

• Verosimilitud: Situaciones cotidianas y ambientes reconocibles para el público.
• Dominio del diálogo: La acción se desplaza en favor de una conversación elegante, irónica y fluida.
• Crítica social amable: Aunque señala hipocresías de la alta sociedad, nunca llega a plantear una revolución social, lo que garantizaba su éxito comercial.

Estrenada en 1907, es su obra maestra y le valió el Premio Nobel de Literatura en 1922. La obra utiliza elementos de la commedia dell'arte italiana (personajes como Leandro y Crispín) para presentar una farsa sobre la dualidad humana.

• Temática: La lucha entre el idealismo (representado por el amor de Leandro) y el materialismo (las intrigas cínicas de Crispín).
• Conclusión: La obra sugiere que en el mundo mueven más los "intereses creados" (el dinero, las conveniencias) que la propia virtud.

Junto a Benavente, triunfaban géneros menores que buscaban el entretenimiento puro:

1. El sainete: Heredero de la tradición castiza, destacando los hermanos Álvarez Quintero, que ofrecían una visión idealizada y amable de Andalucía.
2. La astracán: Género creado por Pedro Muñoz Seca. Se basa en el retruécano, el chiste fácil y la deformación cómica del lenguaje. Su obra más célebre es La venganza de Don Mendo, una parodia hilarante de los dramas históricos en verso.

Este teatro se caracteriza por el preciosismo formal, la musicalidad del verso y una ambientación nostálgica. Bajo la influencia de Rubén Darío, los autores buscaban refugio en un pasado glorioso o legendario, alejándose de los problemas contemporáneos.

• Francisco Villaespesa: Especializado en el drama legendario y exótico (El alcázar de las perlas).
• Eduardo Marquina: El máximo representante de la exaltación histórica y patriótica. En obras como En Flandes se ha puesto el sol, utiliza el verso para ensalzar las glorias del Imperio Español.
• Los hermanos Machado: Manuel y Antonio Machado colaboraron en obras como La Lola se va a los puertos. Aunque emplean el verso, su teatro es más sobrio y depurado que el de Marquina, acercándose a una sensibilidad más íntima.

Unamuno concebía el teatro como una prolongación de sus ensayos. Sus obras presentan una desnudez escénica absoluta: eliminó decorados y artificios para que la palabra y el conflicto interno fueran los protagonistas.

• Temas: La inmortalidad, la fe y la tragedia individual.
• Obra destacada: Fedra, donde reinterpreta el mito clásico desde una perspectiva existencialista y cristiana.

Azorín buscó romper con la narrativa lineal. Su teatro es estático y fragmentario, centrado en lo que él llamaba "lo invisible": el paso del tiempo, la muerte y el subconsciente. Destaca su trilogía Lo invisible (La arañita en el espejo, El segador y Doctor Death, de 3 a 5).

Grau se propuso revitalizar los grandes mitos literarios. En El burlador que no se burla, ofrece una visión del mito de Don Juan alejada del romanticismo de Zorrilla. A pesar de su calidad, sufrió constantes dificultades de estreno en el circuito comercial español debido a su densidad intelectual.

1. Etapa modernista: Obras de estética decadentista y refinada, como El marqués de Bradomín.
2. Ciclo mítico: Ambientado en una Galicia arcaica y violenta, destacando las Comedias bárbaras. Aquí ya rompe con el realismo convencional mediante un lenguaje brutal y mágico.

El esperpento es una nueva forma de ver el mundo que consiste en la deformación sistemática de la realidad para mostrar la verdadera cara de España.

• La mirada desde arriba: El autor mira a sus personajes como si fueran marionetas o muñecos, lo que produce una mezcla de tragedia y humor grotesco.
• Recursos: Animalización de personas, cosificación y uso de un lenguaje que mezcla lo culto con lo arrabalero. Se inspira en la pintura de Goya y el expresionismo europeo.

Publicada en 1920, narra la última noche de Max Estrella, un poeta ciego y pobre, en su periplo por un Madrid absurdo y decadente.

• Significado: La obra denuncia la injusticia social, la corrupción política y la marginación del intelectual.
• Innovación: Sus acotaciones tienen un valor literario propio, casi imposibles de representar en su época, lo que convierte a Valle en un autor adelantado a su tiempo.

Sus inicios (El maleficio de la mariposa) estuvieron marcados por el simbolismo. Más tarde, exploró el teatro imposible o surrealista con obras como El público y Así que pasen cinco años, donde indaga en el subconsciente y la identidad sexual.

Representa la madurez de Lorca, donde la mujer es la protagonista de un destino trágico:

1. Bodas de sangre: El conflicto entre el deseo y las convenciones sociales que desemboca en la muerte.
2. Yerma: La tragedia de la mujer estéril en una sociedad que la valora solo por la maternidad.
3. La casa de Bernarda Alba: Obra cumbre que enfrenta el principio de autoridad (Bernarda) contra el principio de libertad (Adela).

El teatro de Lorca es profundamente poético. Utiliza símbolos recurrentes:

• La luna y el cuchillo: Presagio de muerte.
• El caballo: Símbolo de la pasión desatada y la masculinidad.
• El agua: Si corre es vida y erotismo; si está estancada (pozos), simboliza la muerte.

Lorca no solo escribió, sino que actuó. Dirigió La Barraca, un grupo de teatro universitario que recorría los pueblos de España representando a los clásicos del Siglo de Oro (Lope de Vega, Calderón), cumpliendo una función pedagógica y social fundamental durante la Segunda República.

Alberti evolucionó desde el surrealismo (El adefesio) hacia un teatro de fuerte compromiso social y político, especialmente activo durante la Guerra Civil con su "teatro de urgencia".

Aub fue un experimentador incansable. Sus obras breves y sus juegos escénicos desafiaban las convenciones del espacio y el tiempo. Tras la guerra, continuó su labor en el exilio, manteniendo viva la memoria de la España perdida.

Casona combinó el lirismo con una intención pedagógica (colaboró en las Misiones Pedagógicas). Sus obras, como La sirena varada o La dama del alba, proponen una evasión hacia lo fantástico como forma de resolver conflictos reales, gozando de gran éxito tanto en España como en su exilio en América.