Artes escénicas: dramatización y expresión corporal

El esquema corporal es la imagen mental que tenemos de nuestro cuerpo, tanto en reposo como en movimiento. Para actuar, necesitamos una buena alineación, que consiste en mantener la columna recta pero sin tensión, como si un hilo invisible tirara de nuestra cabeza hacia el cielo.

• Eje vertical: Es la línea imaginaria que nos atraviesa y nos ayuda a mantener el equilibrio.
• Presencia escénica: Es la capacidad de llenar el escenario simplemente estando allí, con una postura abierta y segura.

El escenario no es solo un suelo, es un lugar lleno de posibilidades.

1. Espacio personal (Kinesfera): El espacio que rodea nuestro cuerpo sin movernos del sitio.
2. Espacio compartido: Donde interactuamos con los demás compañeros.
3. Niveles: Podemos movernos en nivel alto (saltando, de puntillas), medio (de pie o agachados) y bajo (por el suelo).
4. Trayectorias: Los caminos que dibujamos al andar (rectas, curvas o zig-zag).

Antes de actuar, debemos preparar el cuerpo. El calentamiento articular (mover cuello, hombros, muñecas) evita lesiones.

• Tensión y distensión: Aprender a apretar un músculo y luego soltarlo para notar la diferencia.
• Respiración consciente: Usar el diafragma para tomar aire profundamente, lo que nos ayuda a estar tranquilos y concentrados.

Nuestra cara es el espejo de lo que siente el personaje. Las emociones básicas (alegría, tristeza, miedo, enfado, sorpresa y asco) se reflejan principalmente en los ojos y la boca. La mirada es fundamental: si un actor no mira a lo que está haciendo, el público se distrae.

Diferenciamos entre:

• Gesto cotidiano: Lo que hacemos a diario (saludar, rascarse).
• Gesto artístico: Un gesto exagerado o estilizado para que se vea bien desde la última fila del teatro.
• Pantomima: El arte de contar una historia usando solo el cuerpo, como si estuviéramos rodeados de objetos invisibles.

El silencio en el teatro es muy potente. La inmovilidad (hacer la estatua) crea una gran tensión dramática. Las pausas dramáticas sirven para que el espectador reflexione sobre lo que acaba de pasar o para generar expectación antes de una gran noticia.

Para que el juego funcione, todos debemos seguir unas normas:

• Aceptación de roles: Si te toca ser el árbol, ¡eres el mejor árbol del mundo!
• Escucha activa: Estar muy atento a lo que dicen y hacen los demás para poder reaccionar.
• Respeto: Nunca debemos burlarnos del trabajo de un compañero.

Improvisar es inventar una escena sin haberla preparado antes. Lo más importante es la reacción ante estímulos (un ruido fuerte, un objeto que aparece de repente). La clave es decir siempre "sí a la propuesta del compañero" para que la historia avance y el conflicto se resuelva de forma creativa.

En el teatro, una escoba puede ser un caballo, una guitarra o una espada láser. Esto se llama simbolización. El objeto mágico es aquel que, gracias a nuestra imaginación, se convierte en algo esencial para la historia.

Para crear un personaje, podemos fijarnos en:

• Rasgos físicos: ¿Camina lento? ¿Tiene una voz aguda?
• Animalización: Imaginar que el personaje se mueve como un león (seguro y fuerte) o como una hormiga (rápido y nervioso).
• Arquetipos: Personajes tipo que todos reconocemos, como el sabio, el héroe o el bromista.

Sin problema no hay historia. El protagonista quiere algo y el antagonista (o una circunstancia) se lo impide.

1. Planteamiento: Presentamos a los personajes.
2. Nudo: Aparece el conflicto y la tensión sube hasta el clímax (el momento más emocionante).
3. Desenlace: Se resuelve el problema.

La atmósfera es el sentimiento que rodea la escena (misterio, alegría, miedo). El contexto nos indica si la historia pasa en el futuro, en la selva o en un castillo medieval.

• Proyección: Enviar la voz lejos para que se oiga al fondo sin necesidad de gritar.
• Articulación y dicción: Pronunciar muy bien cada letra para que se entienda el mensaje.
• Volumen y tono: Jugar con voces graves, agudas, fuertes o suaves según el personaje.

No es leer un libro de texto; es ponerle vida a las palabras. La entonación y el énfasis sirven para resaltar las palabras importantes. El ritmo del habla debe variar: rápido si el personaje está nervioso y lento si está cansado.

Podemos usar nuestra voz para crear ambientes sonoros: el sonido de la lluvia, el viento o el motor de un coche. Las onomatopeyas (¡Boom!, ¡Miau!, ¡Toc-toc!) ayudan a que la acción sea más divertida y clara.

Para que la magia ocurra, necesitamos:

• Escenografía: Los decorados que nos dicen dónde estamos.
• Iluminación: Luces que crean ambiente.
• Vestuario y maquillaje: Nos ayudan a dejar de ser nosotros mismos para ser el personaje.
• El público: La pieza final; sin alguien que mire, no hay teatro.

El teatro requiere disciplina. En los ensayos:

1. Se memoriazan los textos y los movimientos.
2. Se practica la coordinación grupal (entrar y salir a tiempo).
3. Se usa la repetición para pulir los detalles y mejorar cada día.

Al terminar, es importante reflexionar. La crítica constructiva consiste en decir qué nos ha gustado y qué se podría mejorar, siempre con educación. Debemos aprender a disfrutar tanto siendo actores como siendo espectadores respetuosos.

Recuerda: El teatro es un arte de equipo donde lo más importante es colaborar y disfrutar creando mundos imaginarios.