Dramatización: expresión corporal y teatro

Nuestro cuerpo tiene muchas partes que podemos mover de forma independiente. El esquema corporal es la imagen que tenemos de nosotros mismos.

• Equilibrio: Es la capacidad de mantenernos quietos sin caer, como si tuviéramos un hilo invisible que tira de nuestra cabeza hacia el techo (eje vertical).
• Relajación: Aprender a soltar los músculos. Podemos imaginar que somos un muñeco de trapo que se desinfla poco a poco.
• Control: Moverse con precisión significa decidir exactamente qué parte del cuerpo queremos mover y cómo.

No es lo mismo saludar a un amigo en la calle que saludar a un rey en un escenario.

• Gestos cotidianos: Los que hacemos a diario (comer, peinarse).
• Gestos artísticos: Son más grandes y exagerados para que el público los vea bien.
• La mirada: Los ojos dicen mucho. Si miras al suelo, pareces triste; si miras al frente con ojos grandes, pareces sorprendido.
• Manos y pies: Las manos pueden mostrar miedo (temblando) o alegría (abiertas). Los pies nos dicen si el personaje es pesado como un gigante o ligero como un hada.

El escenario es nuestro mundo. Debemos saber movernos en él:

1. Espacio personal: El "globo" invisible que nos rodea y que nadie puede tocar.
2. Espacio compartido: Donde interactuamos con los demás compañeros.
3. Niveles:
   • Alto: De puntillas, saltando o estirados.
   • Medio: Caminando normal o agachados un poco.
   • Bajo: Gateando, reptando o tumbados en el suelo.
4. Trayectorias: Podemos caminar en línea recta (decisión) o en curvas y zigzag (duda o juego).

Cuando no hablamos, nuestros gestos deben ser muy claros. La estatua es un ejercicio fundamental: aprender a quedarse totalmente quieto para que el público se fije en una postura concreta. El silencio ayuda a crear magia en el teatro.

Para que el público vea cosas que no existen, usamos la técnica:

• Objetos invisibles: Si coges una manzana invisible, tu mano debe tener forma de círculo, no estar cerrada del todo.
• Resistencia y peso: Si imaginas que empujas una pared, tus músculos deben ponerse tensos. Si llevas una maleta pesada, tu hombro debe bajar.
• La pared de cristal: Apoyar las manos planas en el aire para crear la ilusión de un obstáculo.

Para crear personajes, debemos observar el mundo:

• El espejo: Un juego donde un compañero hace un movimiento y el otro lo repite exactamente al mismo tiempo.
• Animales: ¿Cómo camina un pingüino? ¿Cómo se estira un gato? Imitar animales nos ayuda a dar variedad a nuestros movimientos.

Para hablar bien en el teatro sin cansarnos, usamos la respiración diafragmática (llenar la "tripa" de aire, no solo el pecho).

• Proyección: No es gritar, es enviar la voz lejos para que el abuelo que está en la última fila nos escuche.
• Articulación: Mover mucho la boca para que se entiendan todas las letras. ¡Como si masticáramos las palabras!
• Onomatopeyas: Sonidos como ¡Brum!, ¡Miau! o ¡Toc-toc! que ayudan a ambientar la historia.

Una misma frase puede significar cosas distintas según cómo la digas:

• Velocidad: Hablar rápido (nervios) o lento (misterio).
• Volumen: Susurros o voces potentes.
• Emoción: Poner voz de enfado, de alegría o de sueño.

Es leer un texto como si ya estuviéramos actuando. Es muy importante la escucha activa: esperar a que el compañero termine de hablar para responderle, reaccionando a lo que él ha dicho.

Usamos la pregunta mágica: "¿Qué pasaría si...?". Por ejemplo: ¿Qué pasaría si estuviéramos en la Luna y la gravedad fuera muy poca?

• Conflicto: En toda historia debe haber un pequeño problema (ejemplo: queremos abrir una puerta y no tenemos la llave).
• Resolución: Cómo los personajes solucionan el problema de forma creativa.

Un rol es el papel que nos toca jugar.

• Sociales: Médico, policía, profesor, panadero.
• Fantásticos: Dragón, mago, alienígena.
• Caracterización: No hace falta un disfraz completo; a veces un sombrero o unas gafas son suficientes para convertirnos en otra persona.

Toda pequeña obra debe tener tres partes:

1. Inicio: Presentamos quiénes somos y dónde estamos.
2. Nudo: Pasa algo interesante o surge un problema.
3. Desenlace: Se resuelve el problema y termina la historia. El trabajo en equipo es esencial: si un compañero olvida qué decir, los demás le ayudamos.

Cualquier cosa puede ser un personaje. Un paraguas puede ser un bastón, una espada o incluso un pájaro si lo movemos con cuidado. A esto se le llama animación de objetos.

Necesitamos una sábana blanca (pantalla) y una linterna potente detrás.

• Si nos acercamos a la luz, nuestra sombra se hace gigante.
• Si nos acercamos a la sábana, nuestra sombra se hace pequeña y nítida.
• Podemos usar nuestras manos para hacer formas de animales (perros, aves, conejos).

Podemos crear nuestros propios actores con:

• Calcetines viejos: Para hacer títeres de guante.
• Cucharas de madera: Pintándoles una cara.
• Cartulina: Para títeres de dedo. Cada títere debe tener una voz especial y una forma de moverse única.

Para que la obra salga bien, debemos ensayar. En los ensayos repetimos los movimientos para no olvidarlos. También elegimos la música que acompañará nuestra actuación para que el público sienta más emoción.

Ser espectador es tan importante como ser actor.

• Debemos estar en silencio y prestar atención.
• El aplauso es el regalo que le damos a los actores al final por su esfuerzo.
• Si tenemos nervios (miedo escénico), respiramos hondo y recordamos que estamos jugando.

Al terminar, hablamos en grupo:

• ¿Qué es lo que más nos ha gustado?
• ¿Qué podemos mejorar para la próxima vez? Lo más importante no es que salga perfecto, sino el disfrute de haber creado algo juntos. La crítica siempre debe ser constructiva, es decir, para ayudar a los demás a ser mejores.