El Clasicismo musical

El siglo XVIII es conocido como el Siglo de las Luces. El pensamiento europeo estuvo dominado por la Ilustración, un movimiento intelectual que defendía que la razón humana era el único camino para alcanzar el conocimiento y la felicidad.

• Antropocentrismo: El ser humano se convierte en el centro del universo, desplazando el teocentrismo anterior.
• Ascenso de la burguesía: Esta nueva clase social, con poder económico, comienza a demandar cultura y entretenimiento, rompiendo el monopolio de la aristocracia y la Iglesia sobre las artes.

La estética del Clasicismo se inspira en los ideales de la Antigüedad Grecorromana. Los artistas buscan:

1. Orden, equilibrio y proporción: Las obras deben tener una estructura lógica y fácil de seguir.
2. Claridad y sencillez: Se rechaza la complejidad técnica del Barroco (como las fugas complicadas) en favor de algo que el oído pueda captar con naturalidad.
3. Rechazo al exceso: La música clásica busca la elegancia y la contención emocional, evitando el dramatismo exagerado.

Durante este periodo, la situación laboral del compositor cambia drásticamente:

• Del mecenazgo al concierto público: Los músicos dejan de ser meros "sirvientes" de un noble para empezar a organizar conciertos donde el público paga una entrada.
• Independencia del artista: Aunque muchos aún dependen de patronos (como Haydn), surge el deseo de libertad creativa, algo que Mozart intentó y Beethoven consolidó.
• Música como entretenimiento: La música ya no solo sirve para alabar a Dios o a un Rey, sino para el disfrute de la sociedad.

La textura predominante es la melodía acompañada: una línea melódica principal clara que destaca sobre un acompañamiento de acordes.

• Frases musicales simétricas: Las melodías se organizan en frases de 8 compases, divididas en dos partes de 4 (pregunta y respuesta). Esto genera una sensación de equilibrio perfecto.
• Transparencia: El oyente siempre sabe qué es lo importante en cada momento.

La armonía se simplifica para no distraer de la melodía:

• Bajo Alberti: Una forma muy común de acompañamiento que consiste en arpegiar los acordes (tocar las notas una a una en un orden específico: grave-agudo-medio-agudo).
• Funciones tonales claras: Se utilizan principalmente los acordes de Tónica (I), Subdominante (IV) y Dominante (V).
• Ritmo regular: El pulso es constante y natural, alejándose de las complicaciones rítmicas previas.

A diferencia del Barroco, donde el volumen cambiaba de forma brusca ("dinámica de terrazas"), en el Clasicismo:

• Se populariza el uso del crescendo (aumentar el volumen gradualmente) y el diminuendo (disminuirlo).
• El piano (o pianoforte) sustituye al clavecín porque permite controlar el volumen mediante la presión de los dedos, ofreciendo una expresividad mucho mayor.

Es la estructura más importante del periodo. No debe confundirse con la "Sonata" como obra completa; la forma sonata suele ser la estructura del primer movimiento. Se divide en tres partes:

1. Exposición: Se presentan dos temas musicales (Tema A, con carácter enérgico, y Tema B, más lírico).
2. Desarrollo: El compositor juega con los temas anteriores, modificándolos y creando tensión.
3. Reexposición: Vuelven a aparecer los temas de la exposición, pero con una sensación de resolución.
4. Coda: Un final breve para cerrar la pieza.

• La Sinfonía: Es una gran sonata para orquesta completa, generalmente organizada en cuatro movimientos.
• El Cuarteto de Cuerda: La formación de cámara más importante (dos violines, viola y violonchelo).
• El Concierto para solista: Obra para un instrumento solista (piano, violín, clarinete) y orquesta, donde se busca el lucimiento del virtuoso.

• Tema con variaciones: Se presenta un tema sencillo y luego se repite varias veces transformando el ritmo, la armonía o la melodía.
• Minueto y Trío: Una danza de ritmo ternario ($3/4$) con carácter elegante.
• Rondó: Una forma donde un tema principal (A) se repite alternando con otros temas (A-B-A-C-A).

La orquesta crece y se organiza de forma moderna. Desaparece el bajo continuo (típico del Barroco) porque la orquesta ya es lo suficientemente rica como para no necesitar el apoyo del clave.

• Escuela de Mannheim: Fue fundamental para estandarizar la orquesta y perfeccionar técnicas como el crescendo orquestal.
• Plantilla estable: Cuerda frotada, viento madera (flautas, oboes, clarinetes, fagotes), viento metal (trompas, trompetas) y percusión (timbales).

• El Piano: Su capacidad para hacer matices lo convierte en el rey del teclado.
• El Clarinete: Es la gran incorporación de esta época, gracias a su sonido dulce y versátil, muy querido por Mozart.

Se llama así porque se interpretaba en "cámaras" o salas pequeñas. Era muy popular para el ámbito doméstico.

• Serenatas y Divertimentos: Música ligera escrita para celebraciones o eventos sociales al aire libre.

A mediados del siglo XVIII, la ópera se había vuelto muy artificial. Christoph Willibald Gluck lideró una reforma buscando la naturalidad, haciendo que la música estuviera al servicio del drama y no del lucimiento vacío de los cantantes.

• Ópera Seria: De temas mitológicos y heroicos, preferida por la nobleza.
• Ópera Buffa: Con argumentos de la vida cotidiana, personajes cómicos y crítica social. Fue la preferida del pueblo.

Mozart es el genio absoluto de la ópera. Logró crear personajes psicológicos que parecen seres humanos reales con sentimientos complejos.

• El Singspiel: Un tipo de ópera alemana que combina partes cantadas y habladas (ej. La flauta mágica).
• Sus grandes éxitos incluyen Las bodas de Fígaro y Don Giovanni.

Aunque pierde importancia frente a la música instrumental, se siguen escribiendo grandes obras.

• El Réquiem: Misa de difuntos. El de Mozart es el más famoso de la historia.
• Se utiliza un estilo sinfónico-coral, donde la orquesta y el coro tienen el mismo peso.

Conocido como el "Padre de la Sinfonía" y del "Cuarteto de Cuerda". Pasó gran parte de su vida al servicio del príncipe Esterházy. Su música destaca por su sentido del humor, su ingenio y su dominio absoluto de la estructura musical. Escribió 104 sinfonías.

El mayor niño prodigio de la historia. Viajó por toda Europa conociendo todos los estilos. Su música representa la perfección formal y una elegancia insuperable. Dominó todos los géneros (ópera, sinfonía, concierto, cámara) con una facilidad asombrosa.

Aunque su obra posterior abre las puertas al Romanticismo, su primera etapa es puramente clásica. Beethoven transformó la música en una expresión del genio individual, expandiendo las formas musicales y aumentando la potencia emocional. Su sordera no le impidió revolucionar el concepto de artista libre e independiente.